The Dears

曾經有段時間很心儀加拿大Quebic省蒙特婁這個城市，連帶對所謂北美加拿大區(包含多倫多)的band scene也格外注意。原因當然跟自身旅遊經驗有關，也有可能就是對Godspeed You Black Emperor!與朋友們、Kappa、及The Hidden Cameras、Broken Social Scene(來自多倫多)等等團的喜愛。The Dears就是除了上述樂團外，另一顆來自蒙特婁的珍寶。

"Nor the Dahlias 1995-1998"是去年以專輯"End of a Hollywood Bedtime Story"在當地與東岸紅極一時的The Dear早年未發行的創作精選。他們兼具The Smith的敏感纖細與Blur的捉狹聰明，還有法國沙龍音樂大師Serge Gainsbourg的感傷成人旋律。整張專輯風格多元而不會膩，重要的是相當好聽，有人說像是憤怒些的Belle & Sebastian。最值得一提的是主唱的聲音，簡直是Morrissey與Stuart Murdoch的綜合體。雖然他們沒有自成一家的獨到風格，但也是很值得關注後續發展的新星。
(2002/10)

Gene

有著精巧與爆發力兼具的吉他旋律線，加上與Morrissey神似感傷自憐般的聲音表情。Sleep Well Tonight可能是九十年代以降最佳的單曲之一，真的愈聽愈有味道。Gene與Mansun的處女作”Attack of the Grey Lantern”都是這段時期的經典，也是持續被忽視的成就。雖然之後的專輯都未能脫離處女作的陰影，或許一張好的作品要它埋沒於brit-pop的潮流中是不容易的。來自英國的Gene石破天驚的首張專輯便證明了這點，相信它可以在潮流過後得到重新被省視的機會。
(2002/10)

Buffalo Daughter

有不少人把她們算入復古時尚的涉谷系(Shibuya-Kei)範疇裡，不過她們似乎從來都不把它當一回事。曾與Cibo Matto共同被稱為世紀末最有趣的女聲，在充滿sampling與模仿趣味的處女作Captain Vapour Athletes後，產生一種嶄新的搖滾樂就成為她們接下來努力的方向。開宗明義的同名單曲點名了整張專輯的概念，簡約直接的配置加上不俗的空間感鍵盤樂器修飾，厚重的funk再加上不停彈跳的採樣。主唱Yumiko性感迷濛的嗓音在"No Tokyo"、"Great Five Lakes"表現無遺，使的這張專輯加了不少分數。

Living Colour

Living Colour
Time's Up

來自紐約，許多樂迷一直把他們定位成唱重金屬的純黑人團體，其實他們絕非池中物。他們後期真的是因為江郎才盡而淪為普通樂團，但在處女作Vivid與Time's Up時期他們則是紐約下東區頂尖的實驗樂團之一。每位團員在組成之前都大有來頭，如吉他手Vernon Reid曾是Ronald Shannon Jackson實驗爵士大樂隊的一員，也曾與Bill Laswell合作。這張專輯延續Living Colour一貫尖銳的政治態度與直言批判的歌詞，加上商業取向的流行旋律。雖然沒有當初前作Vivid所帶給樂壇的衝擊，但也是值得一聽的佳作。

Grant Lee Buffalo

來自西岸LA，主唱Grant Lee Phillips擁有不亞於Neil Young的好歌喉與社會自覺，唱著屬於美式南方民歌與重搖滾的結合。樂團成員的實力也是一時之選，五弦琴、手風琴、曼陀林等傳統樂器在他們手裡被巧妙地運用。大器晚成的他們在1994年得到替REM暖場的機會才成名。來自1994年第二張專輯，"Sing Along"是有著沈穩爆發力的搖滾歌曲；"Mockingbirds"、"It's the Life"則是會讓人隨之傾心的好聽情歌。可惜發行多張叫好不叫座的專輯後樂團解散，主唱隨即在2000年開始發行個人作品。
(2002/10)

Cato Salsa Experience

A Good Tip for a Good Time

來自挪威奧斯陸，Cato Salsa Experience近年常與The Hives並稱來自斯堪地半島的新勢力。不過別把他們想成是ABBA或Cardigans那種，他們玩的是復古型的、黏綢的車庫硬式搖滾。最近這種樂團在紐約的Pub界謂為新潮，代表有The Strokes、White Stripes。我蠻認同某些西洋樂迷把他們的音樂形容成"Perfect Driving Music"，很適合邊開著車出遊又能保持心情舒暢的搖滾樂。好像沒玩出啥新玩意兒，但誰在乎呢?
(2002/10)

後記: 近年年Cato Salsa Experience則展現出與尋常搖滾不同的視野, 與前衛爵士Sax手Joe Mcphee及The Thing合作一張二十幾分鐘的ep: Cato Salsa Experience and The Thing with Joe McPhee - Sounds Like a Sandwich(Smalltowns)

Fun-Da-Mental

他們為中東與中亞的婦女、兒童、與其頻臨滅絕的弱勢文化請命，在九十年代的西方世界可以說是一個頗值得玩味思考的主張。社會正義是否能藉由他們達到突顯或伸張呢？還是反而模糊了焦點所在？這張長達七十四分鐘的雙cd專輯大多是憤怒的吶喊，但也能聽出他們高超的remixing/sampling技巧，特別的是他們大量在作品裡融入世界音樂的旋律。我最喜歡的是在第一張唱片最末一首，由女聲主唱如薄暮般美麗的印度風歌謠"Mother India"。
(2002/10)

Franke, Christopher

Christopher Franke
Tenchi Muyo in Love

天地無用在日本及歐美好像有不少影迷。我對角色或電影內容是沒興趣，但外國作曲家替日本動畫電影作曲演奏倒很少見，尤其他就是鼎鼎大名的Christopher Franke，早年德國Krautrock與Electronica音樂的先驅人物。

他早年在柏林音樂院就讀時期被John Cage、Stockhausen影響，與同學Edgar Froese於六十年代末期共同創立對後世電子音樂影響甚鉅、充滿極微主義冥思與先進錄音技術領導的新音樂組合Tangerine Dream。直到暫時解散的1988年止，共發行了三十七張錄音室專輯與替超過三十部電影創作電影音樂。1991年Franke離開，在好萊塢成立音樂工作室致力於聲像藝術。不要小看了這張原聲帶，片尾曲Alchemy of Love還邀請到Nina Hagen演唱。裡面只有四段主題，其餘只是依照主題延伸開來的旋律。其中有關女主角Achika的主題相當優美動聽、"Tokyo Tower!"則充滿刺激緊張的壓迫感，沒看過電影的情況下也似乎可以被帶進劇情似的。整張專輯概念完整調性統一，製作精良的配樂值得樂迷好好品味。
(2002/10)

Alles Wie Gross

Alles Wie Gross是來自慕尼黑的後搖滾組合，也可以說是來自另一個德國樂團 Coach 巡迴貝斯手 Michael Heilrath 的 solo project，於 1996 年成軍。它原先是為了一部早在 1920 年代上映的德國默片電影哈姆雷特 (Hamlet) 所譜寫的原聲配樂，導演是 Sven Gade。如同這部史詩悲劇一般的音樂編排也有強烈的情緒轉移，強勁的貝斯聲線與如泣如訴的小提琴聲在裡頭特別明顯。室內樂與搖滾樂的編制合而為一，它肯定可以同時滿足喜歡搖滾與古典的樂迷們。
(2002/10)

Tchaikovsky--小提琴協奏曲

Tchaikovsky -- Violin Concerto in D Major

柴可夫斯基小提琴協奏曲是台灣電視廣告配樂被採用率最高的曲目之一，舉凡咖啡、家庭劇院廣告等等，想必以後也會常聽到，它也是我荒島曲目之一。它與貝多芬及布拉姆斯的小提琴協奏曲皆為D大調，這3位作曲家也都認為小提琴在D大調能發出最具氣勢的音樂。實際上這三大小提琴協奏曲也是當今樂壇最受歡迎, 所需技巧也最為複雜的樂曲。

當年這首曲子命運跟柴可夫斯基第一號鋼琴協奏曲相同，最初都受不被作曲家朋友及長輩賞識。俄羅斯小提琴家Auer初見到被提獻的樂譜不但不領情，還針對它的古怪結構抱怨一番。只是Auer終究還是能如伯樂般欣賞這首協奏曲背後蘊含的雄渾氣勢並加以發揚，這首曲子也終於逐漸建立起名聲。Auer改口說這首是偉大的作品之後，也樂於根據自己經驗將部分樂段作適度修改，使它更適合在現場被演出。

海飛茲Jascha Heifetz(1901-1987)也是Auer的學生之一，演出這首協奏曲時他也作些許修正以增強演出效果。海飛茲與萊納指揮芝加哥交響樂團的錄音默契極為完美，雙方也把這曲子的雄偉氣質表現的很出色。萊納手下的芝加哥交響樂團實力正值高峰期，銅管及低音部表現撼動人心，氣勢磅礡引人入勝。海飛茲演出充滿力道與能量，快意馳騁之餘音樂色調變化之快令人炫目。海飛茲版不管是小提琴獨奏或樂團演出均具備這首曲子所被賦予的王者風範。

一般人對於西格堤Joseph Szigeti(1892-1973)風格印象為真誠純粹，將樂曲內涵與技巧發揮致淋漓盡致。謝霖Henryk Szeryng(1918-1988)為柔順高雅，充滿氣質的樂句處理。密爾斯坦Nathan Milstein(1904-1992)則具備著雍容高貴的音色。最受本地老樂迷喜愛的歐依斯特拉夫David Oistrakh(1908-1974)則有一種穩重厚實的好聲。受西格堤影響深遠的俄國小提琴家Kogan柯岡Leonid Kogan(1924-1982)則是相對被忽略的大師。Kogan的版本樂團整體表現不若著名的海飛茲+萊納版來的面面俱到，但Kogan個人傑出的藝術氣質與技巧高超、節奏明快絲毫不拖泥帶水，表演中表現出來的知性灑脫則使這版增添了不凡價值。

The Verve

The Verve於1997發表的Urban Hymns是張叫好又叫座的後Brit-pop專輯. 其中第一首曲子Bittersweet Symphony作曲作詞的credit為Ashcroft/ Jagger/ Richards,其實音樂旋律大部分都是Ashcroft的原創作品.

會有這樣的安排原因是Richard Ashcroft從Rolling Stones的製作人兼經理Andrew Loog Oldham率領的The Andrew Oldham Orchestra所發行改編專輯Rolling Stones Songbook(1966)片尾單曲"The Last Time"其中一小段旋律獲得靈感泉源. 其實也就單單那段hook而已,但握有Rolling Stones早期專輯版權的ABKCO公司由於利益因素不願意The Verve採用. 最後團員不得不與Jagger/Richards等人及ABKCO等妥協,把歌曲將來衍生的所有版權利益無條件100%過度給擁有著作權的相關人士.

雖然如此,還是要佩服團員編曲時所敖費的苦心,使它聽來絲毫不會悶. 前奏美妙如天外飛來一筆的弦樂鋪陳,由整齊壯麗的弦樂導入鼓貝斯吉他所營造出大塊大塊的迷幻音牆,令人印象深刻,聽來煞是過癮. 無論如何,這還是獨一無二屬於The Verve的傳世單曲;就憑它,整張專輯及樂團本身早已能擠進經典之林.

Composed By
Richard Ashcroft/Mick Jagger/Keith Richards

'Cause it's a bittersweet symphony, this life
Trying to make ends meet
You're a slave to money then you die
I'll take you down the only road I've ever been down
You know the one that takes you to the places
where all the veins meet yeah

No change, I can't change
I can't change, I can't change
But I'm here in my mind
I am here in my mind
But I'm a million different people
from one day to the next
I can't change my mind
No, no, no, no, no, no, no,no,no,no,no,no(fading away)

Well I never pray
But tonight I'm on my knees yeah
I need to hear some sounds that recognize the pain in me, yeah
I let the melody shine, let it cleanse my mind, I feel free now
But the airways are clean and there's nobody singing to me now

No change, I can't change
I can't change, I can't change
But I'm here in my mind
I am here in my mind
And I'm a million different people
from one day to the next
I can't change my mind
No, no, no, no, no, no, no
I can't change
I can't change it

'Cause it's a bittersweet symphony, this life
Trying to make ends meet
Trying to find some money then you die
I'll take you down the only road I've ever been down
You know the one that takes you to the places
where all the veins meet yeah

You know I can't change, I can't change
I can't change, I can't change
But I'm here in my mind
I am here in my mind
And I'm a million different people
from one day to the next
I can't change my mind
No, no, no, no, no

I can't change my mind
no, no, no, no, no,
I can't change
Can't change my body,
no, no, no

I'll take you down the only road I've ever been down
I'll take you down the only road I've ever been down
Been down
Ever been down
Ever been down
Ever been down
Ever been down
That you've ever been down
That you've ever been down

U2

BTW,我也喜歡U2/Bono的創作當年被用在溫德斯幾部電影時的蒼穹味道,影像與音樂竟能搭配疏離到如此迷人,現在回想起片段仍歷歷在目:

1991 Until the End of the World 直到世界末日
1993 Faraway, So Close 咫尺天涯
2000 The Million Dollar Hotel 百萬大飯店


"All I Want Is You"
Bono/U2

You say you want
Diamonds on a ring of gold
You say you want
Your story to remain untold

But all the promises we make
From the cradle to the grave
When all I want is you

You say you'll give me
A highway with no one on it
Treasure just to look upon it
All the riches in the night

You say you'll give me
Eyes in a moon of blindness
A river in a time of dryness
A harbour in the tempest
But all the promises we make
From the cradle to the grave
When all I want is you

You say you want
Your love to work out right
To last with me through the night

You say you want
Diamonds on a ring of gold
Your story to remain untold
Your love not to grow cold

All the promises we break
From the cradle to the grave
When all I want is you

You...all I want is...
You...all I want is...
You...all I want is...
You...

Smith, Patti

談起Patti Smith的名曲，我想一般人大概很難不被Easter中的Because the night迷人旋律所吸引。事實上，這首與B. Springsteen合作的暢銷曲還在10000Maniacs 的unplugged專輯出現呢。1978年Patti Smith在榮獲來自"Horses"、"Radio Ethiopia"樂評肯定後，發行"Easter"專輯，裡面第三首歌就是Because the night。不過跟Radio Ethiopia一樣，Easter是以Patti Smith Group的名義發表，較為強調搖滾團體的聲響及柔性女性自覺。

1996年底，當我幾乎把P.Smith與歷史劃上等號時，在某支MTV看到了她。那是在REM的E-bow the letter，只見在空曠無垠的候車處，P.Smith低頭省思吟唱正與Michael Stipe的喃喃自語相呼應著。同年發行的Gone again與她的前作Dream of Life比起來，多了許多餘煙飄渺的憂愁，只有在Gone again、Summer cannibal，兩首與先夫合寫的曲子中才拾起一些過往專輯的記憶。"People have the power"的勇氣與膽識已不復見，耳中聽到的只有深深的悲哀。在獻給丈夫Fred Smith（MC5吉他手 ）的終曲Farewell Reel，acoustic吉他鳴響聲裡，我們聽到Smith輕聲對丈夫呢喃，令聽者無不動容。其實Smith歌曲中最值得保存的是那特殊的吶喊式朗誦和歌詞中的詩意。雖然翻唱自Van Morrison的Gloria裡的豪氣已消失，我們還是可以聽聽Wing這首，從Smith近乎氣絕的心底吶喊感受出Smith文筆 依舊，只是人事全非、空留惆悵。在心情不好時切記不要聽她，否則苦酒一杯接一杯是很傷身的。

不曉得樂迷有沒有注意到封面的變化？從早期Horses、Radio Ethiopia的中性打扮、傲昵群倫的姿態；到Easter、Wave、Dream of life裡的溫和柔情；到Gone again、Peace and noise中的低頭沈思。她告訴我們人想法總會變的，最值得珍惜的就是藝術家心靈未受侵襲，立場一致的搖滾精神。不像有些中年發福的"搖滾"樂手，坐擁金錢與特權，還在高唱顛覆無罪、造反無理，他們是令我作嘔的。

新專輯發行馬上成為我的97最愛（雖然是在98年買的）還是喜歡她偶而低吟、偶而狂放的唱腔，多的只是歲月的歷練吧!好懷念那些質疑人生意義與商業文化，最後卻 犧牲的搖滾藝術家（Kurt Cobain、John Lennon、Janis Joplin、Ian Curtis、Jeff Buckley）他/她們的搖滾精神永遠活在樂迷之中，也希望大家珍惜尚未變質的龐克/搖滾/失落的一代/女權先鋒/詩人 --------Patti Smith。

Screaming Trees

Vocal---Mark Lanegan
Guitar- Gary Lee Corner
Bass----Van Lee Corner
Drum----Mark Pickerel
Barret Martin（1991---）

Screaming Trees樂隊（ST）崛起於八十年代的初期在Ellensburg, Washington建立自己的據點。草創期的ST就如同當時地下硬蕊樂隊一般，以美國中西部盛行草根味濃厚的民謠、藍調、硬式搖滾、"自己來"（DIY）的車庫搖滾形式，加上他們獨有的主唱，使他們在八十年代中期成為受矚目的未簽約樂團，後來到獨立廠牌SST旗下。SST時期他們發表了三張專輯、數張EP和精選輯，跳槽EPIC後也出了三張專輯(較新的我沒聽過)名稱列表如下：

Other Worlds EP 1985
Even If And Especially When 1987
Invisible Lantern 1988
Buzz Factory 1989
Anthology SST years 1991
Uncle Anesthesia 1991
Sweet Oblivion 1992

他們早期作品Other worlds絕對是Hardcore經典之作。裡面有硬式搖滾與硬蕊交媾而成的The turning、迷幻味道的Like I said、流行旋律的Other worlds、歌詞莫名其妙但也很好聽的Barriers。1987年的Even專輯則使大家正視ST的存在。有別於New York的CBGB樂派（Talking Head）、California的衝浪龐克（Descendents）、Minneapolis的草根龐克（The Replacements），Screaming Trees在某種程度上融合了Hard Rock、Folk、Punk、Psychedelic，輔以主唱Mark漫不經心的獨特鼻音與歌曲的美好旋律，使ST的知名度就此打開。Don't look down、Transfiguration的激昂與Cold rain的爛醉唱腔尤其令人印象深刻。

1988年詭異封面的Invisible專輯在美國大學校園掀起一陣旋風。纖瘦主唱的嗓音像Jim Morrison般有一種令人沉淪的魔力；胖胖的吉他貝斯手兄弟盡責的演奏刻畫出一片吸引人的魔幻寫實天地。不曉得為什麼，聽他們的歌都會有想要酊酩大醉的衝動，最主要是Mark Lanegan沙啞動人的歌聲，我回想到聆聽Replacements時所帶給我的快感。我推薦專輯中Ivy、Grey diamond desert、Night comes creeping等歌曲。（小心醉倒了）

1988年與Jack Endino合作的Buzz專輯是ST成軍以來最吵、技巧最繁複、編曲最具野心的作品，從此以後ST就與傳統車庫搖滾樂隊粗糙質感徹底告別。Where the twain shall meet開頭厚重的貝斯線、Flower web、Subtle poison的狂飆激昂，這張專輯展現了ST樂器演奏與主唱不同唱腔掌握功力的進步。進入九十年代的ST當然沒有閒著。首先貝斯手Van另組與早期ST風格類似的地下硬蕊樂隊Solomon Grundy，Mark也發行了首張個人專輯The Winding Sheet。

隨著九十年代SEATLE SOUND的盛行，默默耕耘的地下樂團都被主流公司挖掘而收編為商業體制的一份子，而SST與SUB-POP兩家獨立唱片公司可以說是"GRUNGE"樂派的溫床。當時的代表團有曾為Pearl Jam來台演唱暖場的Mudhoney（我永遠都忘不掉那天的國際會議中心）、我最喜歡的華麗搖滾團Mother Love Bone（願Andrew安息）、已解散的Soundgarden（主唱的唱功直逼Robert Plant）當然還有Screaming Trees都被收錄在1992年由Cameron Crowe執導的描述搖滾生活的迷人電影SINGLES(單身貴族)的原聲帶中，與SUB-POP記錄早期地下樂團的經典合輯SUB-POP-200（珍貴收錄Nirvana與Beat Happening早期作品）都是研究西雅圖樂派不可或缺的參考資料。

1991年ST在EPIC公司發行由Chris Cornell(Soundgarden)和Terry Date(Metal Church)共同製作的Uncle Anesthesia由合作班底就猜的出這是一張金屬味多重的專輯了。老實說我感到有些突兀，因為吉他的反饋音蓋住了Mark令人回味不已的聲音，儘管有好聽的Bed of roses。1992年的Sweet Oblivion是目前為止樂評和市場一致喝采的精彩專輯。它的經典價值就在於好聽旋律與八十年代地下噪音的完美融合，當然也不能忘了Mark的聲音魅力與市場流行趨勢的一面倒。Dollar bill醇厚性感的藍調風味、Shadow of the season的向Led Zeppelin看齊、Butterfly的吉他噪音、Troubled times的南方搖滾，Winter song與曾收錄於SINGLES原聲帶中的Nearly lost you是ST最好聽的ballad，總之，這是ST在顛峰期的表現。

就我個人而言，Screaming Trees的地位並不亞於同期或稍早的The Replacements、REM、Husker Du甚至Minutemen等美國樂團。換句話說，ST專輯可和Tim、Murmur、Zen Arcade、3-Way Tie等經典並駕齊驅。如果 還要問我Screaming Trees最吸引我的地方在哪裡？我或許會說：雖然缺乏鮮明的個性，但它仍是美國音樂大熔爐的最佳代表。畢竟您哪裡才能聽到Sonic Youth的噪音、Ramones的旋律、Big Star的流暢、Stooges的粗糙、Tom Waits的低吟所結合的私生子呢？

Rhoads, Randy

Randy Rhoads技巧根基於古典音樂,卻擁有天賦般快速凌厲的指法,十幾歲就成名於金屬樂壇. Ozzy Osbourne有一張現場專輯叫Tribute,它獻給1982年不幸墜機身亡的Rhoads,裡面收錄著許多珍貴又熱力十足的現場演出. Quiet Riot的Metal Health專輯最後一首歌"Thunderbird"也是獻給他們樂團英年早逝的前吉他手Rhoads.

Hello you
yes it's me
You can't come back
Your flyin' free
You think you found
Everything that you need
Fly away, fly away
To your new home
Across the seas
Oh leave your nest
Oh baby leave the best thing
That you've been
Whoa, whoa, whoa
Fly on, Thunderbird fly
Fly on, spread your wings to the sky
Fly on, Thunderbird fly
On your own
And I'm alone
In the shadow
Of what we done
And I can't help but think
That someday
You'll be back home (whoa)
Fly away, fly away
To your new home
Across the bay
And give your best
Ooh baby leave the best thing
That you've been
Oh, oh, oh
Fly on, Thunderbird fly
Fly on, spread your wings to the sky
Fly on, Thunderbird fly (fly on)
(Ah, ah, ah, ah)
(Ah, ah, ah, ah ah ah ah)
When all is said
All is done
Still I live
And carry on
Don't look back
But think of me
We'll meet again
Fly away (oh)
Fly on, Thunderbird fly
Fly on, spread your wings to the sky
Fly on, Thunderbird fly
Fly on, Thunderbird fly
You've got fly away
Fly on, spread your wings to the sky
On to the sky
Fly on Thunderbird...
Fly!


想想我的重金屬生涯好像高中畢業後就被凍結了. 高中喜愛的如Van Halen/Metallica/Dream Theater/Helloween等一發新作還是在收,但大學以後聽的團都沒有以前那樣熱心了. 前陣子欣賞的新團都是馬雅或傑笙引進的交響金屬如Therion/Nightwish/Rhapsody/Skylark等等.

The Replacements

傍晚結束了繁重無聊的統計學考試，漫步到社團想跟人聊聊。一時興起帶了Let it be去放，順便跟學弟妹吹噓他們有多偉大。有個學妹跟我開口借了，我當然不好意思不借雖然心中略有不甘）。於是，拖著沈重的步伐搭公車去西區想買嘻低填補我的空虛。

奇怪，只有在心情不好的情況下才聽他們的音樂，每張專輯裡的快歌總能使我的不滿得到宣洩；慢歌則能使我與他們共同沈浸在哀愁而不可自拔。在等車時有首歌的旋律突然進佔我心：

Anadrogynous

Here come Dick, he's wearing a skirt
Here comes Jane, y'know she's sporting a chain
Same hair, revolution
Same build, evolution
Tomorrow who's gonna fuss

And they love each other so
Androgynous
Closer than you know, love each other so
Androgynous

Don't get him wrong and don't get him mad
He might be a father, but he sure ain't a dad
And she don't need advice that he send to her
She's happy with the way she looks
She's happy with her gender

Mirror image, see no damage
See no evil at all
Kewpie dolls and urine stalls
They'll be laughed at
The way you're laughed at now

Now, something meets Boy, and something meets Girl
They both look the same
They're overjoyed in this world
Same hair, revolution
Unisex, evolution
Tomorrow who's gonna fuss
And tomorrow Dick is wearing pants
And tomorrow Janie's wearing a dress
Future outcasts and they don't last
And today, the people dress the way that they please
The way they tried to do in the last centuries


這是收錄於1984年專輯Let it be中的"Anadrogynous"。歌詞乍看下只是兩個性別錯亂的傢伙生活在都市底層的故事，有些嘲諷、又有些悲愁。Paul Westerburg帶點不成熟而又滄桑的迷人嗓音配合簡單的鋼琴伴奏，使得全曲洋溢著慢板歌獨有的憂傷與快版歌輕快的節奏融合一處，好不迷人。想想這張專輯已經有了描寫做愛的必聽經典"Unsatisfied"、排行曲式的"Sixteen blue"、活潑生動的"I will dare"、慷慨激昂"Answering machine"、標準叛客的"We're comming out".........如此多的好歌，再多一首能打動心弦的小品品"Anadrogynous"，為何還借人呢？心中如此自責著。

晚上八時的西門人潮正多，我一個人快速地如往常般奔走於個大唱片行之間。看著其他衣著入時的都會男女，想像他們的感情世界、想想自己遭遇；人與人擦身而過，霓虹燈亮光灑落他們肩上，欣賞他們與夜晚互相輝映的街景......這是一個私密性高而又不大完美的世界，每個人正孤獨而又忙碌的活著。

晚上九時，我還是不斷地找尋嘻低，尋找專屬於自己的快感。

晚上十時，終於步出最後一家唱片行。兩天沒好睡覺的我早已身心俱疲，皮包也早被掏空，踏著更沈重的腳步回家，這時腦海響起迎接我的還是"Anadrogynous"輕快且低揚的旋律。自己邊哼著邊幻想著邊跳著踢躂舞優美的舞姿，步伐於是慢慢加快起來。不曉得為什麼，心情卻相當好，我似乎愈來愈不寂寞了。

晚上十一時，回到家立刻文思泉湧地把心中想的寫下來。

這種應該叫"充實的空虛"吧？ 我想。

Reed, Lou

1. 我們一行三人(馬瓜,德政,酒神林)一小時前就到soho的tower前排隊,還輪流到一旁的other music逛逛,順便等Twiggy的來到.

2. 因為沒買那套新的NYC Man精選(光他單飛時期就已收集了19張lps,可以不用買吧?),所以只有請德政把我那張封面是美女臀部特寫的"69 Live"順道拿給他簽. 我則想辦法趁空檔溜進去.

3. 上了tower一二樓間夾層,Lou與某女士坐在長方桌上準備替樂迷簽名. 奇怪的是,似乎沒有任何人注意到我的存在. 先前有一日本人也混到旁邊用DC猛照被保全請了出去,於是就安靜地在Lou旁邊,夾雜在工作人員間,聽他與樂迷的互動. 總之若不算拿cd簽名的,現場包含Lou與我才五六個而已.

4. Lou當天穿的是藍儂也曾穿過的白底黑字"New York City"式樣T恤,小腹稍凸,身高比我高一些(180左右),著簡單黑長褲,太陽眼鏡擺桌上. 精神似乎很不錯.

5. Lou態度相當客氣和善,親切地與每位fan寒喧問好(為了宣傳嘛),偶爾不大專心會跟 一旁工作人員談天. 突然,Lou往我這邊看來(我應該是他以外唯一脖子沒掛店工作證的外國人),還端詳了持續五秒以上. 不管他當時心裡起了啥疑問,心頭小鹿亂撞的我已經說不出話--爽到升天了.

6. 樂迷對此行準備則琳瑯滿目,都會把他(她)多年來精心收藏唱片,演唱會門票,報刊書籍與剪貼簿拿到面前與他分享. 各種年齡層皆有,有老嬉皮,中年雅痞,青年學生. 幾位fans跟Lou說某些寶物是從ebay上標到的,Lou真的對某些items顯地相當驚訝,如封面印他在紐約街頭黑白照的超珍稀bootleg等等.

7. 輪到從台灣來的了,聽到馬瓜與Lou超勁爆的對話,他們三人都跟Lou打招呼握手合照簽名. 他們看來都很緊張,但又不忘讓Lou Reed留下深刻印象. 走出店門後,看著他們興奮手舞足蹈的模樣. 心裡想著,無論現在的Lou是否還保有多少當年attitude或前衛敏銳不流俗氣的藝術特質,來紐約此行有Lou的精神加持對他們來說應該已經是永難忘懷的回憶了.

8. 那我呢? 在收集了VU時期所有相關正式非正式合集與bootlegs的lp跟cd,加上Reed,Cale單飛與已遭遺忘的Angus Maclise專輯後,還能與偶像如此的"近距離"接觸,終於也了了一樁長久以來只敢想但不知何年何月才能履行的心願. 畢竟,那個普通樂迷能站在偶像身邊不到兩公尺處癡癡地望著他二十多分鐘呢?

9. 現在書桌上擺著三個人的簽名: Mstislav Rostropovich--Luc Ferrari--Lou Reed. 那張最醒目的lp封套照片臀部左邊被黑色奇異筆寫著"To Wi",右邊被寫著"lson"(我在這裡英文名字為Wilson),大腿上則為簽名者姓名縮寫.

10.過了三個多禮拜,作夢夢到都會笑,德政馬瓜與Twiggy應該跟我有相同的感受吧!!^0^

--
New York In-Store (5/29/2003)
See Lou in NY at the Tower Records in the Village on Monday, June 9 at 6pm.
The first 150 customers who purchase NYC MAN at Tower Records (4th & Broadway location only) beginning Tuesday June 3, will a get a laminate that will guarantee them a place in line at the signing on Monday June 9, at 6pm. Limit of two signed items per person limit. No photographs with Lou Reed will be allowed. (http://www.loureed.com/new/news/news.asp)

My Bloody Valentine

喜歡新迷幻Curve、Lush、Ride、Slowdive朋友都不會錯過"我血腥的情人節"，熱愛Velvet Underground、Jesus & Mary Chain、Sonic Youth的也會對它們有興趣。吉他兼主唱Kevin Shields出生於紐約皇后區，六歲時舉家遷至都柏林。在童年時與同樣熱愛流行音樂的好友Colm O'Ciosoig發下宏願籌組樂團，終於在1984年找到樂手組成My Bloody Valentine，團名據說出自於一部B級恐怖片。85年草創期MBV發行一張仿效Birthday Party迷離低調色彩的專輯不過沒有得到重視，接下來兩年都處於人事異動及轉換發行公司的流動裡。在1988年以前MBV發行了數張成績差強人意的EP，直到1987年女主唱/吉他手Bilinda Butcher的加入才改觀。

Is'nt Anything是MBV數年來第一張概念完整的專輯，由creation發行。英國當地的評論把它冠以"Dream-Pop"樂派最耀眼的一顆星，Dream-Pop略指兼有流行旋律的和順悅耳與搖滾樂的吵雜吉他音效，在英倫流行樂界佔有一席之地。整張專輯Kevin與Bilinda分擔詞曲創作與演唱，不過我認為MBV魅力不在於詞曲方面，而在於兩把吉他的瘋狂刷弦、精神分裂般的鼓點敲擊、無意識的呢喃吟唱所營造的一股末日般的幻想情景。十二首歌曲不適合把它們分開來聽，而是把整張專輯當作一首三十八分鐘的搖滾洗禮。個人總認為他們的音樂最適合在失戀時強迫進行麻醉、憤世忌俗時用來詛咒這個世界、或是無聊沒事不知所云的週六下午............Is'nt Anything的成功隨著來的是整整兩年的沈寂，終於在1990與91年發行了兩張風格類似的EP（Glider、Tremolo）以解樂迷之饞。這段期間樂迷不斷耳聞樂團與creation之間有關發片時間的爭執：MBV是屬於慢工出細活型的，他們總要不停修飾到每個團員覺得滿意為止。

1991年的Loveless，暌違三年的傑作，被所有主流樂評家指為九十年代吉他搖滾的指標，歷史上最偉大的專輯之一，並打開原本屬於傳統口味的美國市場。錄音師是後來替Smashing Pumpkins另張經典Siamese Dream混音的Alan Moulder，他與Butch Vig幾乎主宰製作了九十年代的重要搖滾流行專輯。與前作同樣，它不以清晰唱腔或平和旋律取勝。吉他、貝斯、合成樂器所製造的扭曲音效蓋過女主唱陰柔飄渺的嗓音，融以動人優美的旋律線與蒼白詩詞，使得吉他搖滾曲風的形式美感達到前所未有境界。這已經不只是好不好聽的問題了，而是能不能在恐怖撩人的背景噪音裡找到解放或沈溺於無盡頭的心靈救贖。工業金屬、白色噪音、重節奏舞曲...等形容詞可能都不足以形容沉潛裡頭的不尋常聽覺刺激。

諷刺的是，Loveless叫好叫座的聲譽卻使creation與MBV的關係達到冰點。由於製作時成本過高收益卻不符抵銷，所以腦袋不靈光的creation與MBV解約但後來又簽下了更自大煩人的Oasis。MBV後來與Island簽約合作並於92年進錄音室錄製第三張專輯。經由可靠消息指出，貝斯手Debbie Googe與創團鼓手O'Ciosoig離團只剩下雙吉他手Kevin與Bilinda，加上專屬錄音室的技術問題使得新專輯一再延誤。看來樂迷又得引頸盼望一段陣子了。

大一情人節前夕我剛失戀，漫步到西門丁某掏錢兒時我看到Loveless鮮紅吉他襯底封面，後來買了Loveless那張跟Primal Scream的1989年同名專輯。跟大部分初面對沒有愛情或無力去愛的人一樣，傷心地整天在房間踱步、不想處理任何雜事。陪伴我渡過長夜的不是其他，就是在Primal Scream裡哀傷自憐的情歌"You're just dead skin to me"與My Bloody Valentine震耳欲聾的Loveless整張專輯。沒啥好解釋了，所有感情得到純粹的釋放。

三年以後在都市遺忘的一角又重新響起好久沒聽的"我血腥的情人節"。發覺它在我心裡是穩佔重要部份的，不知是由於音樂本身吸引我，或者是自身經驗與刺耳噪音糾葛糾纏出的結果？

還是兩者都有？

Mitchell, Joni

似曾相識嗎? 哈，沒錯，店家女主人就是Meg Ryan。River是愛情喜劇電子情書(You've Got Mail)女主角追憶以往情節裡頭相當重要的轉折點，"失落"主題在這裡被處理地相當有詩意，真是百聽不厭。它也總能讓我懷念起童年時代的一些心境，酸甜與苦澀，點滴在心頭。


Joni Mitchell - River

It's coming on christmas
They're cutting down trees
They're putting up reindeer
And singing songs of joy and peace
Oh i wish i had a river
I could skate away on
But it don't snow here
It stays pretty green
I'm going to make a lot of money
Then i'm going to quit this crazy scene
I wish i had a river
I could skate away on
I wish i had a river so long
I would teach my feet to fly
Oh i wish i had a river
I could skate away on
I made my baby cry

He tried hard to help me
You know, he put me at ease
And he loved me so naughty

Made me weak in the knees
Oh i wish i had a river
I could skate away on
I'm so hard to handle
I'm selfish and i'm sad
Now i've gone and lost the best baby
That i ever had
Oh i wish i had a river
I could skate away on
I wish i had a river so long
I would teach my feet to fly
Oh i wish i had a river
I made my baby say goodbye

It's coming on christmas
They're cutting down trees
They're putting up reindeer
And singing songs of joy and peace
I wish i had a river
I could skate away on

Metallica

Metallica--St. Anger
[Elektra; 2003]

我從高中以來就是超級Metallica迷,八張錄音室專輯與兩張合輯與現場都聽到快爛,還是不得不承認他們早已經步入衰退期的事實. 說說賣點吧,超過七十分鐘,厚實強硬鞭擊快感打掛一堆年輕團. 雖然沒聯合公園好聽,那種盛氣凌人的味兒還是沒變. 紙殼裝加附一張DVD塞滿所有十一首音樂的排演實況,包裝內還送一組密碼可以log in官方網站下載現場演唱video.

Mellow

法國近年來備受注目的年青ambient/psychdelic組合，常被與同儕Air作比較，實際上熟悉Moon Safari專輯的樂迷都知道團員之一Patrick Woodcock曾與Air共同譜寫"Ce Matin La"。早年曾和英國的Future Sound of London合作合輯Accelerator製作與混音，這是他們為黑色幽默電影CQ譜寫的音樂段落所連結成的完整專輯。此片的導演就是在紐約獨立電影界大名鼎鼎的Roman Coppola，他就是Frances Ford Coppola之子，以風格化的執導功力與剪接技巧聞名。

片子描述1969年的巴黎，一個醉心於用十六厘米影片拍攝日常生活的導演臨危受命接上某部低成本科幻電影的執導工作，後來他既愛上了女主角，也要努力跟一群奇怪的製作班底周旋。對影迷來說，這不啻是場精采的時光冒險之旅。裡面有懸疑、刺激與懷舊浪漫的情節，除了Mellow作品外，還包含Claude Franqois與Jacques Dutronc在法國六十年代演唱的香頌歌曲擔任串場。音樂與影像整體相當精緻特別又能搭配在一起、有復古風情的沙龍音樂也有高度現代的techno搖滾，當然也具獨立聆聽的趣味。徐緩前進的電子聲響既不會喧賓奪主也不致令人昏昏欲睡，加上不受拘束的創作態度。相信很快他們就能在樂界闖出一片天空。

McCartney, Paul

我與Daphne從下午四點開始，在華氏二十一度的寒風中站了八個小時。肌肉痠痛，身體冷到直打哆嗦，在final countdown的最後一個半小時，才開始用擴大器放音樂。從中版到快版、Madonna到U2都有，氣氛就跟隨著上方巨型電視螢幕的倒數而越熱烈。

聲音響起，我剛開始還不大能確定是不是Paul的聲音。沒錯啊，這是Concert for New York City中的壓軸，那首歌頌堅定自由信仰的歌曲。慢慢的，不管之前有沒有聽過，每個疲勞的人們都感受到歌曲表演中所傳達的熱力與情緒。很難形容那種跟數十萬人陶醉在高喊"talking about freedom"裡同步感受到的激動。它是要放到最大聲，然後也同步放開心胸唱和才會體會到歌曲散發出的強大心靈力量。與身旁不認識的、來自世界各國的人同步打拍子，沒有人懼怕當天會不會有恐怖攻擊，這就是真正徹底解放的自由。

這首曲子現在也被收錄在McCartney兩千零一年底發行的新專輯Driving Rain裡，Freedom被抽出來當作第一首單曲並把收入全數作為九一一事件善後用途，捐到Robin Hood Relief Fund裡。

拿起歌詞，大聲地一齊唱，您會有不同感受的。


Paul McCartney
Freedom

This is my right
A right given by God
To live a free life
To live in freedom

Talkin' about freedom
I'm talkin' 'bout freedom
I will fight
For the right
To live in freedom

Anyone tries to take it away
They'll have to answer
'Cause this is my right

I'm talkin' about freedom
Talkin' 'bout freedom
I will fight
For the right
To live in freedom

I'm talkin' 'bout freedom
I'm talkin' 'bout freedom
I will fight
For the right
To live in freedom

Everybody talkin' 'bout freedom
We're talkin' 'bout freedom
We will fight
For the right
To live in freedom

I'm talkin' 'bout freedom
Talkin' 'bout freedom
I will fight
For the right
To live in freedom

I'm talkin' 'bout freedom
I'm talkin' 'bout freedom
We will fight
For the right
To live in freedom

The Mad Capsule Markets

The Mad Capsule Markets—OSC-DIS

他們的網站裡自稱是全日本最新最前衛的組合，嗯，至少網站與唱片設計與專輯名稱的確吸引了不少目光。與前述的Bloodthirsty Butchers有著相同的背景(一同和Rage Against the Machine演出與參加富士音樂節)，兩者在音樂上卻走孑然不同的路。他們玩的是高度科技科幻化的電子搖滾，歌詞裡也充滿了未來感與戲謔的成分，我覺得比較像Spoozys的technorock。每首歌曲行進都奇快無比，頑皮搗蛋加上瘋狂的演奏調度，總之是最近聽來很平易近人流暢過癮的作品，同樣是去年最佳選擇之一。

Led Zeppelin

近幾年來欣見古典音樂指揮老大師的再發燒（Toscanini、Furtwangler）在搖滾樂團方面也多的是重新發行的把戲（Beatles、VU、Galaxies 500），但筆者最注意的仍是有關LZ發行的一舉一動。九十年代除了套裝專輯外，Jimmy和Robert也發行了融合北非、西亞當地民族樂風重新詮釋舊作、令人喝采的專輯（No Quarter），現在又有BBC現場實況。

第一次對LZ的印象在於小時候老爸的"凌晨之歌"封面。七十年代廣播名主持人凌晨把好聽的西洋老歌結集成書，有一集鮮紅的封面就是長髮披肩的Robert帶領樂團的演唱實況，這大概是我對搖滾樂的第一印象吧!國中偶而聽聽Robbin的夜貓子，也正式讓我領悟搖滾樂之美。只是，當時喜歡Thrash Metal的我總不欣賞Black Dog中神祕、詭異的音符，但現在，即將大學畢業的我卻已瘋狂於LZ數年了。

Robert Plant-lead vocal、harmonica
John Bonham---drums、tympani、backing vocal
Jimmy Page----electric、acoustic guitars、backing vocal
John Paul Jones----bass、organ、backing vocal

由New Yardbirds、Whoopee Cushion到1968 Led Zeppelin的正式成軍，由他們在歐洲諸國不甚成熟的演唱，大概沒有人想到他們又是一個英倫入侵（British invasion）的明證吧？當然歷史證明他們並不只是為擔負契約履行而匆促成軍的樂團。相反的，當時經甄選出二十不到的主唱Robert拔尖的嗓音絕對是搖滾樂藝術中的一絕；Jimmy亦由效法Jimi Hendrix大量扭曲的音效到後期受印度神祕色彩影響的迷幻音色；John穩健而又具有破壞力的鼓點；John Paul那具有學院派音樂素養所啟發的編曲，使的LZ在第二張專輯後成為傳奇，在其解散的十多年間聲譽仍不墜。


<專輯介紹>

第一張專輯：Led Zeppelin I 1968

這張大概較不為大眾所知吧？其實它反而可以表現LZ在風格尚未形成時其所受的影響。裡面有向藍調老將Willie Dixon致意的I can*t quit you baby，也有後來成雙速編曲經典的Dazed and confused。






第二張專輯：Led Zeppelin II 1969

這是LZ大紅特紅之始。沒有人不會對Whole lotta love一分二十二秒後的間奏感到訝異的；名曲Thank you也是好聽的抒情曲。但整體樂風凝聚力及創意反而有衰退的跡象。







第三張專輯：Led Zeppelin III 1970

這是Lz跳脫傳統藍調包袱而整合迷幻、民謠、硬式搖滾的佳作。從封面即知這是跟前兩張截然不同的作品，Immigrant song的搖滾熱力、Tangerine的CCR走向；融合民謠配器、藍調唱腔、迷幻編曲的詭異終曲Hats off to Roy Harper。Since I've been loving you中的傳統反而令人印象深刻。





第四張專輯：？ 1971

我似乎不用多講了，這張沒有"名字"的專輯可能是史上最"有名"的專輯之一(有此一說這張名為IV或ZOSO)。每一首曲子都值得再三品味、聆賞。雖然見不到前張專輯的創意，但LZ仍完全把六十年代硬式搖滾的魅力發揮無遺。Black dog、Rock *n Roll的流暢扎實；The battle of evermore、Going to California的清新自然；Misty mountain hop、Four stick、When the levee breaks蒼涼跌宕都比不上STAIRWAY TO HEAVEN的大融合。曲式內容相信愛樂同好們早已熟悉了吧？記得高中時曾許宏願把專輯歌詞全背起來，結果現在只記得Stairway to heaven意旨令人回味再三的詞，成為個人生命中無法抹滅的記憶。



第五張專輯：House of the holy 1973

我們看到真正新生的LZ。從The song remains the same序奏我們看到四把樂器間的演奏已到如入無人之境，之間的協調、默契已暗示他們是個樂團，而不是四個技巧高超的樂手罷了；如向晚夕陽般棲美的The rain song中有弦樂助陣，使我們見識到John Paul Jones為大型曲目編曲的功力。活潑俏皮的Dancing days、雷鬼曲風的D'yer mak*er等正式宣告偉大樂團的形成。整張專輯是美感、均衡、旋律、創意的綜合表現。




第六張專輯：Physical Graffiti 1975

重質又重量的LZ在吉他手Jimmy Page沈迷神祕主義、異國氛圍後發行最具個人化色彩的雙專輯。相較前張專輯的明亮音色，physical graffiti中的十五首歌則是陰沈灰暗、幽深、實驗性強的音樂旅程。已經到達顛峰的LZ或許就如同Beatles在White album中的表現，長期巡迴演唱與個人生活差異使LZ深思未來的遠景中發展出極端不同的看法。音樂的流暢度不如以往、某些樂曲長度讓當時樂迷吃不消，但他們的名氣卻仍使專輯立刻登上排行榜冠軍。

就筆者個人而言，這卻是我最喜歡的專輯。Physical graffiti是LZ成員個別表現達到極致的結果。Robert恣意揮灑的唱腔、Jimmy迷幻色彩的獨奏、John炫技般的重擊漫天蓋地而來、John Paul天馬行空的編曲都掩蓋住樂團整體不協調的印象。專輯中仍有令人血脈愩張的custard pie、the Wanton song；也有異國風味的Kashmir；南方搖滾的Boogie with STU；使人跌進絕望深淵的In my time of dying、Down by the seaside、Ten years gone。或許是命運作弄吧!專輯發行後樂團就發生一連串不幸的事件，也使它蒙上一層悲劇的陰影。


第七張專輯：Presence 1976

想要重振齊鼓的LZ在描寫古希臘荷馬史詩中悲劇英雄的第一首歌Achilles last stand中有令人激賞的表現，但很可惜這也僅是專輯中唯一令人印象深刻的。在力的表現上，LZ有明顯的退步，據說是跟錄製期間Robert因傷必須坐著唱有關。






第八張專輯：In through the out door 1979

在76至79年之間，LZ發行了記錄演唱會實況的電影The song remains the same 1978，同時發行原聲帶，1979年發行的專輯幾乎也是立刻拿到排行榜冠軍。當時的LZ可以說是少數不受DISCO熱潮打擊的搖滾樂團，但仍如同老團Rolling stones在專輯"some girls"般不能免俗發表了數首有舞曲節奏的搖滾曲：South bound saurez、Hot dog等。






<結束>

搖滾樂有一定的極限嗎？從1975年的Physical graffiti後我們就看到這個在人類音樂歷史上具有一席之地的搖滾樂團不斷在重複自己。或許也就如同披頭四在Abbey Road中我們看到了偉大樂團臨別前的傳世傑作，In through the out door也是齊柏林獻給人類最後的禮物吧？（82年的coda僅是歌曲合輯）1980年是齊柏林迷最傷心的一年，我們也看到了人在沈迷於聲名與追求進步迷思後的悲劇。John Bonham在酗酒許久後不幸身亡，LZ在想要休息與無法立刻尋找到適合替代的情況下宣布了解散的消息，Led Zeppelin正式成為歷史。


<後記>

搖滾樂的藝術是延續不斷的，但當我們不斷的重複聽到相同的聲音時代表新手們尚未找到新的出路。在我聽厭了所謂"新披頭四"、"新滾石"、新齊柏林"時我總想到了當初創造新聲音的老樂團。<老團不死，只是逐漸沈澱>我愈來愈相信這句話了。在坊間可看到一些討論老搖滾的介紹文章，唯獨缺齊柏林。我希望能拋磚引玉，引發更多人的興趣，之間的辛苦就可以忘了。

記得曾半夜做夢，夢到LZ為我演唱最後專輯中的Fool in the rain。當演奏到中間四人的器樂競飆時，我正在手舞足蹈的在下雨的大街上吶喊著安可，也似乎看到已逝的John Bonham在暗處對我微笑。

1998.2.20

King, Carol

Carole King來自紐約的Brooklyn，當在Queens College就學時遇見了後來首任丈夫Gerry Goffin便組成詞曲演唱雙搭檔，直到替Shirelles作嫁寫出Will You Still Love Me Tomorrow才嚐到走紅滋味。敏銳觸碰男女情事與青少年成長體驗使得她成為Baby Boom世代最有名的Singer-Songwriter之一，後來與Neil Sedaka、James Taylor的友情韻事也為人茶餘飯後的話題。後期單飛光芒四射的Tapestry專輯之前，King曾度過相當不順遂的時光。首先是自己演唱的作品商業成績總不如為別人寫歌，後來又與第一任丈夫Goffin離異。1968年她搬到LA發展並與Lou Adler的Ode廠牌簽約，並與Fugs的前任吉他手Danny Kortchmar、貝斯手Charles Larkey共同組成了名為The City的短命團體，而Larkey 後來還成為King的第二任丈夫。

The City這個民謠搖滾團只發行一張當時沒沒無聞的專輯，描述居住在紐約光怪陸離景象與對未來生活的嚮往，後來因為King有舞台恐懼症而經常怯場而解散。當中他們翻唱了Carole King自己以前寫的 I Wasn't Born to Follow 和 That Old Sweet Roll (Hi De Ho)，這兩首歌後來分別被Byrds與Blood, Sweat & Tears翻唱成排行單曲。當然雖然只有一張作品，但裡面散發出質樸踏實的感人力量卻也持續為後世樂迷傳誦，她女性角度敘事的詞曲與溫暖卻自信的聲音也會一直讓人覺得窩心。

這幾年我會再想起她是因為那收錄在描述紐約上西區雅痞愛情故事的電影You've Got Mail中那首"Anyone at All"。每當經過Lincoln Center與北Broadway的人文薈萃交界時，總會讓我回想起電影原聲帶裡的種種旋律與影像層層交錯。歌詞肯定真愛涵義在她唱來更顯得自在達觀，嗓音經歷過時間與情感的昇華歷練後則更增添一份優雅成熟。值得一聽再聽。

推薦她的個人網站，裡面會定期更新她的個人消息與心情故事。King的兩個女兒也投身於音樂事業。

The Hidden Cameras

The Hidden Cameras是來自多倫多的樂團,成員十幾個,在力求好聽下極盡惡搞之能事,創作重心在帥哥主唱Joel Gibb上. 有人說是"Gay Church Folk". 自從幾個禮拜前(2003/6/12)午夜在Knitting Factory聽了她們演唱後,不經意間莫名其妙腦海裡就會浮現專輯裡每一首歌優美的旋律. 有時候像早期REM,有時像The Beautiful South或Belle and Sebastian,唱片很抒情動聽,在當時現場卻又翻天覆地high地十分過癮. 特點有:

1. 出場方式很酷: 一群十幾個人浩浩蕩蕩從觀眾席跳上舞台.
2. 有個戴頭罩只穿內褲的男生(也是團員)從頭到尾載歌載舞.
3. 幾乎每一首歌結束後就來個大風吹,團員個個精通多樣樂器.
4. 投影機,行動劇,大字報,挑逗暗示的舞台動作全場跟著起笑.
5. 現場跟專輯真是差別太大了,聽live跟著跳舞會興奮到虛脫.
6. 想到再補....(總之那張專輯旋律真是好到不像話)

這幾年很少聽新團的作品,當初我是經由Yeves與pulp推薦後才抱著懷疑的心情試試的. 沒想到一有專輯後它馬上成為當時時時刻刻想放的唱片. 說真的,已經很久沒有聽到如此吸引人的新唱片了. 除了封面設計略遜外,歌曲好聽,歌詞有趣. 六月十二當晚聽live才真是嚇死人. 每一首都加大音量超速前進,全場聽眾跳到頭皮發麻,團員也很敬業玩到差點虛脫. 樂團正式網站裡頭有絕版中第一張專輯"ECCE HOMO"(2001)全部mp3下載. 至於第二張"The Smell of Our Own",讚啦! 甭試聽了,看到就買罷,是我的2003年首選.

當時替他們暖場的是Royal City與Sufjan Stevens. 前者是重力節奏的民謠搖滾,後者致力於概念lo-fi民謠於這幾年開花結果繳出好成績單.

推薦閱讀: pulp當時的遊記很忠實地捕捉當時看團的情緒.

Harrison, George

Strawberry Field Forever

Have you ever been to the Central Park? Have you ever noticed there is a small garden, which can be so important for the Beatles fan or music lovers? Here you are: it's the Strawberry Field.

Strawberry Field is a 2.5-acre teardrop-shape garden near entrance of 72nd St at Central Park west and was named after John Lennon's famous song: Strawberry Field Forever in the Magical Mystery Tour album. It was sponsored by Yoko Ono, as an International garden of peace dedicated to memorialize her late husband John Lennon. A large mosaic set in the sidewalk inscribing the world "imagine" was a gift from city of Naples in Italy. The plants in the garden were donated by countries all over the world. During summer, free events ranging from concerts to opera and other music performance are held at Central Park Summertage.

Why is the garden meaningful for all Beatles fan? One of the reasons is that in the corner of the 72nd Street you can find a building in which John Lennon lived the last years of his life. On Dec 8th 1980, he was shot by one of his fans in front of the main entrance of the Dakota building. Every Dec. 8th, crowds gather at Strawberry Field and Dakota to commemorate the anniversary of John's death. Another mournful thing I want to mention is the guitarist of the Beatles, George Harrison, died of the brain cancer on Nov 29th 2001. As you may have already seen it from the local newspaper, hundreds of fans gathered at Strawberry Field during the weekends. They brought candles, flowers and pictures of Harrison and sang songs together. I was a part of them of course because I'm also a huge Beatles fan. I spent the whole Sunday afternoon with these people.

To conclude, Strawberry Field and nearby area can be a wonderful place for recreations, sports and personal activities. It can also be the oasis for the people who live in the modern city. To me, it is a tiny, sacred space not only for music lovers but also for those who want to hold moment of meditation in peace. If you happen to be in upper town next time, be sure to pay a visit to the Strawberry Field at the Central Park West. Hope you can enjoy the garden like I do.

The Hammonds

Hammonds, The—Life Behind TV

Akiko Yano(矢野顯子)是坂本龍一前妻，八十年代曾經與Yellow Magic Orchestra一起巡迴演出與錄製專集。但是她的能力絕對不只如此，這是她與編曲家Jeff Bova以兩人組合名義在1997年由Sony發表的二十三分鐘EP專輯。在人聲表現上，Akiko招牌的、令人捏把冷汗的嗲聲嬌氣式唱法還是沒變。在清爽優雅的電子音響裡滲入些輕爵士的味道相當動聽，女兒坂本美雨有參與和聲。原發行日文與英文兩種版本，我選擇了封面是兩人在紐約自由島渡輪上背對著已經永遠消失的World Trade Center的英文版。

Dylan Group

他們的音樂相當特殊，擅長用各種原音敲擊樂器如馬林巴琴、甘美朗 (印尼的一種竹製打擊樂器)、電顫琴(vibraphone; 類似木琴的一種電顫樂器) 與小號等搭配來創造出一種如童謠般簡單清爽怡人的音樂風格。這樣說還低估了他們的能耐，八分鐘的 "The Crunch" 與十分鐘的結尾曲 "Julito's Way" 表現出 Dylan Group 玩弄反覆節奏與冗長編曲實力；此外他們還翻奏了實驗電子先驅 Orb 的經典 "Towers of Dub"，堪稱是一場成功的演繹。七十分鐘長的專輯聽來絲毫不會讓人心煩，反而可以陪你消暑解悶。

Devine & Statton

原本要跟同學們去union square看電影的但因為有一些事沒去成，乾脆去東村喝喝下午茶。東村在任何季節都是很有魅力的，平常去的時候都是傍晚到晚上，整塊區域都瀰漫著一股神秘詭異的氣息。我也習慣了，因為大部分時間都是馬不停蹄地一間唱片行一間唱片行的找，很少悠悠閒閒的慢慢停下腳步來在東村閒逛咖啡。在週末的它則是一片活力十足的樣子，因為多了些前來挑戰的觀光客、多了些晚上不大敢來的年青學生，把這裡的每一間怪店、每一個奇裝異服的龐克、每一塊意識鮮明的塗鴉都合理化了變成波西米亞式的浪漫不羈。

Cooper union學生宿舍前面的starbucks是st marks place入口路標，我去買好吃的薯條，她們去買咖啡。在店裡杯幌交錯狼吞虎嚥之間，看了看外面各式各樣的人群與街景。紐約從某角度看就是這樣有趣，白人不是多數，還有黑人黃人紅人與不黃不白的猶太人。她們各自代表著一種文化觀與思考，不一樣的生活方式與步調，從這邊更可以看到人生百態。我們在八卦閒聊與感情交流後決定四處走走，先晃到即將結束的第二大道上street festival再信步走到union square。送同學回去後一個人趁機會走了走唱片行，幫朋友找黑膠唱片。在那段不知走了多少次的既定行程中，腳步好像更輕盈了。

重點是，這幾年常聽的無比沉重的progressive/psychedelic rock與avant-garde jazz在今天完完全全不想碰，以便宜二手價格買到的Devine & Statton似乎已絕版的首張專輯The Prince of Wales好像才真正對到了我此時口味。好久沒有重拾浪漫感覺，在軟綿綿輕飄飄的女主唱歌聲與簡單悅耳的樂器演奏中可以如抽食鴉片暫時忘掉期末考的強大壓力。尤其是那久違的清亮女聲Alison Statton (Young Marble Giants)，聽到她輕薄如羽翼般吟唱就好像可以把煩惱都拋到九霄雲外似清爽舒服。第三首歌bizarre love triangle，不同於大家熟知的new order式冷冽與frente!的童稚，增添了幾分看透世事的羅曼蒂克。在凡事都流行重口味的時代裡，Devine & Statton的存在更顯可貴，哪怕音樂已經悄悄的結束。


"I'm not sure what this could mean
I don't think you're what you seem
I do admit to myself
That if I hurt someone else
Then I'll never see just what we're meant to be
Every time I see you falling
I get down on my knees and pray
I'm waiting for that final moment
You'll say the words that I can't say"
~New Order, "Bizarre Love Triangle"

The Commitments

Alan Parker 從八十年代執導Fame(名揚四海)及The Wall開始就已經奠定了音樂電影一代名導的地位。Parker於1991年導的The Commitments由於題裁因素在台灣並沒有很紅，在台灣被翻譯成"追夢者"(乍聽會有人以為是港片)，曾獲得東京影展導演獎.。

電影內容有關一群住在愛爾蘭都柏林市的年青人立志組成靈魂樂團的生活故事，改編自愛爾蘭作家Roddy Doyle的同名小說。這部電影我高中時看了十幾次，每次都很感動，還把錄影帶轉拷好幾卷珍藏， 相信從頭到尾參與過組成一個樂團過程的朋友會心有戚戚焉。The Commitments就是他們樂團名稱，一群來自勞工階級家庭的熱血青年從相遇到組團、練團、接場子等一連串過程所迸發出的火花，酸甜苦辣的回憶都有，到最後因為成員間人生目標及音樂品味等不同而解散。雖說如此，長留在他們心中的那段回憶是永遠無法抹滅的。

這個短暫組合電影下檔後主角之一的胖子Andrew Strong曾以個人名義發行靈魂樂專輯，少數原有成員加上新血仍繼續以The Commitments名義巡迴演出。原聲帶共發行過兩張.，當年我在西門町交叉線還在的時候買了長條型的原聲帶第一集，不過癮又買後來續發的第二集，後來唱片公司又整合成單張精選集。原聲帶兩張基本上我都很推薦，除了曲子好聽錄音傑出外，歌手表現突出稱職靈魂味濃郁，主角們那份年輕的執著與狂狷似乎也完整地保留在原聲帶裡，讓樂迷在多年後仍能低吟回味。

1. Mustang Sally - Andrew Strong
2. Take Me to the River - Andrew Strong
3. Chain of Fools - Angeline Ball
4. Dark End of the Street - Andrew Strong
5. Destination: Anywhere - Niamh Kavanagh
6. I Can't Stand the Rain - Angeline Ball
7. Try a Little Tenderness - Andrew Strong
8. Treat Her Right - Robert Arkins
9. Do Right Woman, Do Right Man - Niamh Kavanagh
10. Mr. Pitiful - Andrew Strong
11. I Never Loved a Man (The Way I Love You) - Maria Doyle
12. In the Midnight Hour - Andrew Strong
13. Bye Bye Baby - Maria Doyle
14. Slip Away - Robert Arkins

1. Hard to Handle
2. Grits Ain't Groceries
3. I Thank You
4. That's the Way Love Is
5. Show Me
6. Saved
7. Too Many Fish in the Sea
8. Fa-Fa-Fa-Fa-Fa (Sad Song)
9. Land of a Thousand Dances
10. Nowhere to Run
11. Bring It on Home to Me

1. Unchained Dog
2. Ain't Nothing You Can Do
3. Same Old Me
4. Too Many Cooks (Spoil The Soup
5. This Bitter Earth
6. Do You Know What I Mean
7. Are You Lonely For Me Baby
8. Girl's Got Rhythm
9. (She's) Some Kind Of Wonderful
10. Ain't Nothin' You Can Do (Long Version)


Main Cast

Robert Arkins - Jimmy Rabbitte
Michael Aherne - Steven Clifford
Angeline Ball - Imelda Quirke
Maria Doyle Kennedy - Natalie Murphy
Johnny Murphy - Joey "The Lips" Fagan
Dave Finnegan - Mickah Wallace
Andrew Strong - Deco Cuffe
Bronagh Gallagher - Bernie McGloughlin
Felim Gormley - Dean Fay
Glen Hansard - Outspan Foster
Kenneth McCluskey - Derek Scully

Bloodthirsty Butchers

這張Yamane於絕對是2001年日系另類搖滾首選之一。Bloodthirsty Butchers 是1987年成軍於Sapporo(札幌)的三人power trio，玩的是迷幻酸味很重的龐克，但卻不拘束於特定樂風在前衛與太空搖滾間遊刃有餘。平均每首歌會jam到七分鐘以上，有些還到九分鐘，加上穿插的演奏曲，仍不失新鮮感與活力。他們曾經在日本與Rage Against the Machine合作巡迴，也與Beck、Fugazi等藝人保持友好關係。現在在跟另一個怪胎團Number Girl做巡迴。

這個網站有他們幾張專輯的試聽.

Belle & Sebastian

1. Fiction
2. Freak
3. Dialogue: Conan, Early Letterman
4. Fuck This Shit
5. Night Walk
6. Dialogue: Jersey's Where It's At
7. Black and White Unite
8. Consuelo
9. Dialogue: Toby
10. Storytelling
11. Dialogue: Class Rank
12. I Don't Want to Play Football
13. Consuelo Leaving
14. Wandering Alone
15. Dialogue: Mandingo Cliche
16. Scooby Driver
17. Fiction (Reprise)
18. Big John Shaft


Belle & Sebastian -- Dear Catastrophe Waitress

好吧. 看在他們竟把Mike Piazza唱進去了,於是再把新專輯多聽兩遍. 其實也沒那麼難聽啦. 雖然"如砂糖融入奶油蛋糕般"甜美滑嫩的旋律不見了,編排似乎仍千篇一律,當作背景音樂聽一邊上網還是很舒服的.

Piazza曾經隨洛杉磯道奇隊來台灣參加表演賽. 那年我才剛開始接觸美國職棒,當時未成氣候的Pedro Martinez好像也有來. (有誰記得西元幾年的事嗎?)

今年春訓(2004)這位當代打擊能力最強的捕手開始改練一壘,祝他一帆風順!

===========================================================

Piazza, New York Catcher
by Belle & Sebastian
(Dear Catastrophe Waitress)

Elope with me Miss Private and we sail around the world
I will be your Ferdinand and you my wayward girl
How many nights of talking in hotel rooms can you take?
How many nights of limping round on pagan holidays?
Oh elope with me in private and we set something ablaze
A trail for the devil to erase
San Francisco calling us, the Giants and Mets will play
Piazza, New York catcher, are you straight or are you gay?
We hung about the stadium, we got no place to stay
We hung about the tenderloin and tenderly you tell
About the saddest ending of a book you ever had to read
The statue’s crying too and well he may

I love you like a drowning grip on your adoring face
I love you my responsibility has found a place
Beside you and strong warnings in the guise of gentle words
Come wave upon me from the wider family net absurd
l take care of her, I know it, you will do a better job?
Maybe, but not what she deserves

Elope with me Miss Private and we drink ourselves awake
We taste the coffee houses and award certificates
A privy seal to keep the feel of 1960 style
We l comment on the decor and we help the passer by
And at dusk when work is over we continue the debate
In a borrowed bedroom virginal and spare

The catcher hits for .318 and catches every day
The pitcher puts religion first and rests on holidays
He goes into cathedrals and lies prostrate on the floor
He knows the drink affects his speed he's praying for
a doorway
Back into the life he wants and the confession of the bench
Life outside the diamond is a wrench

I wish that you were here with me to pass the dull weekend
I know it wouldn't come to love, my heroine pretend
A lady stepping from the songs we love until this day
You settle for an epitaph like walk Away, Renee?
The sun upon the roof in winter will draw you out like a flower
Meet you at the statue in an hour
Meet you at the statue in an hour



--
這首歌到底在說啥? 據說Mike Piazza本人已經澄清自己性向,而紐約當地
報紙"New York Observer"有一段看法:

Mr. Piazza’s orientation is the unlikely topic of a new song
on the upcoming album from that band of Scottish eccentrics,
Belle & Sebastian. The album, Dear Catastrophe Waitress, features
a song called "Piazza, New York Catcher," which, according to
press materials, is a tribute to Belle & Sebastian founder and
vocalist Stuart Murdoch's "deep love of baseball." The bare-bones
love song is performed by Mr. Murdoch, addressed to a woman. He
suggests that she accompany him to San Francisco to watch the
Giants play the Mets.

The song then addresses Mr. Piazza, asking outright, "New York
catcher, are you straight or are you gay?"

In a later verse, Mr. Murdoch could be referring to his female
companion or to the baseball player:
"We hung about the stadium we’ve got no place to stay
We hung about the Tenderloin and tenderly you say
About the saddest ending of a book you ever had to read …"

Beatles--Norwegian Wood (This Bird Has Flown)

近年這首曲子被廣大樂迷熟知的原因或許是村上春樹所著描述現代社會人們孤獨冷漠關係的同名小說暢銷所致。其實以整個搖滾音樂史來看，曲子由吉他手George Harrison所主導，當年他與其他團員受古印度文化的洗禮拜師回來，就想要創作一首運用Sitar（西塔琴） 神祕玄學思考的搖滾歌曲。最先成形的就是Norwegian Wood。從 這首曲子起披頭更能廣泛地運用各種東方音樂素材去完成創作。

Rubber Soul專輯被後世樂評評價為披頭中期風格成功轉變的傑作。在這裡他們大量實驗各種音色、印象化的歌詞，強調吸食迷幻藥後的效果。在錄音上他們屏除以往傳統的雙聲道錄音。甚至在封面設計上都小有可觀。 由此專輯發端，於接下來的成熟，才有後期偉大的概念計畫跟傳奇雙專輯等作品。Norwegian Wood在他們的精選輯或兩張一套的披頭史記貳都有，不過 基於上述歷史淵源與概念齊一理由，我還是推薦Rubber Soul。


(Lennon/McCartney)

I once had a girl, or should I say, she once had me.
我曾經有個女友，或者說，她擁有著我
She showed me her room, isn't it good, norwegian wood?
她向我展示她的房間，挪威的森林，不很好？
She asked me to stay and she told me to sit anywhere,
她要求我留下來，而且叫我四處坐坐
So I looked around and I noticed there wasn't a chair.
所以我四處看看並且注意到那裡沒有椅子

I sat on a rug, biding my time, drinking her wine.
我坐在地毯上，消磨時間，喝著美酒
We talked until two and then she said, "It's time for bed".
我們談到凌晨兩點然後她說：該就寢了
She told me she worked in the morning and started to laugh.
她告訴我她在早上工作並笑了起來
I told her I didn't and crawled off to sleep in the bath.
我則告訴她我不會早起然後爬到浴室去睡覺
And when I awoke I was alone, this bird had flown.
當我醒來已是獨自一個人，鳥兒已經飛離
So I lit a fire, isn't it good, norwegian wood.
所以我點了把火，在挪威的森林，不很好？
1998.5.15


說明:我上篇post在山抹搖滾版（140.117.11.8）得到一些迴響。以下是我的補充：

其實我當初在翻譯時曾考慮過這個問題，老實說我甚至不大想用大家原先常引用的標題。這好像是普通的約會故事，不過內容情節卻有點牛頭不對馬尾。我原先定案的是"挪威的木材"，覺得女孩家中應該使用挪威製的木頭家具。後來也是覺得用森林似乎較有遐想的空間，我想像著在挪威的山林裡迷失自我的男人心境也是可以的。置身於挪威蒼鬱的森林裡的愛情，想必另有一番滋味。還有本曲副標題為"鳥兒已經飛離"，更容易使人聯想到女孩就是極地叢林裡的鳥。鳥兒在清晨帶走了愛情，留下男人在廣闊無邊的森林中，他只好無助地點起火，溺於裊裊白煙裡並自我解嘲：Isn't it good？

這首怪歌是John創作的，1965年Lennon沈迷上LSD的歡愉，當時那種舒暢腦部神經的藥在英國仍是合法的。同年年底發行的Rubber Soul專輯跟以往比起來較為寧靜，多了一種如幻似夢的感覺。65年七月John的第二本書"A Spaniard in The Works收錄了頗多記錄當時心境的短詩，想必跟他創作Norwegian wood時一樣感受吧？這也是George Harrison首次表露長才的歌，他的才華直到後期的'While My Guitar Gently Weeps"與"Here Comes The Sun"更展現無遺。

我想後來所點的火應該是抽起大麻煙吧？或是他在孤獨之餘把前任女友用挪威木材建築的屋子燒毀？ 吪......John歌詞意常令人摸不著頭腦，Revolver裡的"And Your Bird can Sing"、Magical Mystery Tour裡的"I Am the Walrus（我是海象？）。嗯..........

Asobi Seksu

Sportfck—Sportfck

這個來自Astoria的類My Bloody Valentine、Sonic Youth的新秀吉他搖滾組合最近才在Knitting Factory做完幾場成功的壓軸演出，不過已經把樂團名稱改為Asobi Seksu。這是他們地下時期的一些EP歌曲選集，兼具吉他噪音爆發力與甜美夢幻囈音。女主唱Yuki Chikudate嗓音是最吸引人的部分。這是他們可以提供購買(只要美金五元)與試聽的官方網站。
(2005年後記:他們網站現在弄得很漂亮夢幻,這張ep好像也沒得購買了..)

Asobi Seksu—LP 1

這個根基於紐約皇后區的團我很喜歡，團員都住在我以前住所附近，所以多了份親切感。曾經在Astoria一間小bar聽到他們演出，並且陸續買了她們兩張專輯，一張是她們前身團Sportfuck，另外就是你們現在網頁擺著的AsobiSeksu--LP1。

...And You Will Know Us by the Trail of Dead

Source Codes & Tags是他們繼99年的Madonna後在主流唱片公司Interscope發行的首張唱片，在今年各大主流音樂媒體裡大放異彩，聲勢直追去年的媒體寵兒The Strokes。有樂評把AYWKUBTTOD歸類為深受hardcore影響的emo樂風，其實他們就是師承Dinosaur Jr.、Fugazi那一派吉他反饋噪音主導而又重視旋律結構的龐克搖滾。強弱對比起伏強烈的開場曲 "It Was There I Saw You" 馬上可以吸引聽眾注意； "Another Morning Stoner" 、 "Relative Ways" 在旋律美感與狂野快感中取得平衡。標題曲、"Boudelaire"可以享受到暴虐吉他演奏與豪放嗓音持續衝擊耳膜。真不愧是今年最受矚目的另類新貴，希望他們好好加油不要被突如其來盛名沖昏了頭。

1. It Was There That I Saw You
2. Another Morning Stoner
3. Baudelaire
4. Homage
5. How Near How Far
6. Heart in the Hand of the Matter
7. Monsoon
8. Days of Being Wild
9. Relative Ways
10. After the Laughter
11. Source Tags and Codes

Nirvana

"超脫"對現在年輕一輩的朋友們是什麼意義？大學即將畢業的我曾經好幾年不敢聽NIRVANA，大概是不想觸動以前的心情吧？到好久沒去的搖研社。看到大一學弟用著設備良好的音響放著震天價響的音樂，我抬頭一瞥，CD Player旁放著幾張剛拆封的NIRVANA專輯。看著學弟們有說有笑、跟著音樂搖頭晃腦，好像裡面歌詞內容跟他們一點關係都沒有似的。

四年前，也就是1994，我即將大學聯考的那一年。考前六個月我的精神狀態低落到極點、暴飲暴食、脾氣暴躁...好像我負面不為人知的地方都迸發出來了。當時的我是老師認為的乖學生、同學看好前3志願的一匹黑馬，但我實際上卻無法處理所面對的壓力。我崩潰了，不想再拿起書本；反而沈迷於 William Barrett所著<非理性的人>；喜歡把質疑人生意義的現代啟示錄Apocalypse Now租回去看還把The End放到最大聲；只聽Sub-Pop、SST那些能把人吵死的噪音(我爸形容的)；而排斥4AD、Creation當時認為虛靡的音樂；更重要的是，我戀愛了。

初戀發生在K書中心的一場邂逅。她是台北車站旁某私立女校的校花，跟我同年、充滿自信與朝氣的笑容好像是我一眼就看上她的主因；後來想想可能是自我平衡的需要------老聽憤怒或嘶吼音樂的我交一個宛如春天氣息般的女孩是理所當然的。我記得我是不大浪漫的情人，帶她去看一般認為艱澀枯燥的藝術電影；帶她去吸血淘兒從ABBA講解到ZZ Top。但是她好像很高興...我們都是寂寞的人啊!

和她交往後仍在K書中心唸書。唸書時我最愛帶隨身聽，累了還可戴著耳機去樓梯口看台北車站前忙碌奔波的人群，聽著搖滾樂的我感覺是幸福的。當我聽自己從家裡錄來的GRUNGE，好嚮往西雅圖的年輕人可以自由自在地愛、做自己喜歡的事。年輕的我整天想辦法收集有關媒體炒出來西雅圖之音（SEATLE SOUND）的任何資料，其中，NIRVANA是我的最愛。

1988年Kurt Cobain與貝斯手Krist Novostic、鼓手Dale Crover成立雛型的超脫，並在製作人Jack Endino的協助下完成不少具原始爆發力的Demo帶。89年吉他手Jason Everman的加入使NIRVANA的聲音更符合Jack的需要，同年發行Bleach專輯，鼓手為Chad Charning。Bleach很明顯是張沒被刻意混音好的經典，感覺相當像Mudhoney的疏離、狂野、壓抑、不安的反叛氣氛濃縮在十三首歌中。附帶一提的是，早在國中就經由開唱片行的朋友知道它，只是當時沈迷Skid Row、Guns and Roses的我沒什麼特殊印象。

1990年原鼓手與吉他手掛冠求去，由後來組Foo Fighter的Dave Grohl加入成為我們所熟知的典型龐克三人陣容。90年底在主流公司發行融合流暢旋律、金屬衝擊、自我意識的Nevermind，一張好的不能再說什麼的作品，石破天驚引發一連串原本醞釀已久的"另類"風潮。從此另類成為廣告傳媒寵兒、資本主義產物，這也是當初默默做車庫搖滾的地下樂團所始料未及的。92年的是撈我們這些沒地方發洩情緒苦悶青年零用錢的B-side作品，當然裡面也是好歌如林。

話說九十年代初期是復古的年代。君不見那些髮型、衣著、哈雷機車都是古早以前的產物？就音樂而言，The Beatles、Jim Morrison代表的六十年代；Led Zeppelin、Sex Pistol的七十年代；The Replacements、The Smiths的八十年代，這些搖滾樂的大雜燴就是十年前由來自美國中西部青年樂手所創造出的新聲音。不論他們所擷取是精華還是糟粕，這股風潮的勢力還是影響到許多青年的想法與生活。Green River、Mother Love Bone、Urge Overkill、Mudhoney、Soundgarden、Peral Jam等對現實生活強烈無力感的訴求使Stone Roses、Soup Dragon、Happy Mondays、House of Love那些本來佔有我心中一席之地的CD步入冷宮。那時的我認為Brit-pop是犬儒、虛無、逃避的；Grunge（如果有這名詞的話）是暴烈、陰暗、吵雜的，而當時Grunge似乎較對我胃口。

1993年剛上高三的我買到了In Utero。雖然不大能貼近我的內心，但平心而論，它的音樂素材更豐富、音響更粗糙激昂、歌詞也更大膽不羈。純就音樂而言，超脫的最後一張專輯的確是他們最優秀的作品。

1994年四月九日女友沒來找我，我和一個同樣喜歡搖滾的同學去吃午飯。在回K書中心的途中他告訴我：{NIRVANA的主唱好像死了？} {真的!怎麼死的？} {好像是被槍射死的}。當時身上穿的就是團員的T恤，忘了當時怎麼回去的，心裡好像不斷浮現出其他 "Dead Rockstar Society" 的會員：Jimi Hendrix、Janis Joplin、Jim Morrison、John Lennon、Ian Curtis的身影。那天我買了所有報紙，難過的剪下有關報導，放在CD小冊子裡。

之後到聯考的那段日子特別難熬。失去認同對象的我試圖抽菸、喝個爛醉、嘗試和女友發生關係，一切似乎是我不能預期的。放棄聯考的結果考上同學都不大相信的學校，還是家父任教的科系；女友重考，數月後我們分手，一切又好像之前的作為是暗中註定的。

大學四年生活仍少不了搖滾樂。西雅圖風潮似乎被英倫電子舞曲所取代，唱片公司仍象徵意義地發行超脫插電與不插電的實況錄音。但這對於我的新生活已經沒有影響了。距離現在即將四十年之久的六十年代-----那個真正有理想的年代-----正是我追尋已久的。那是一個時局混亂，年輕人卻天真地想用愛與搖滾樂來改造社會救贖自己的日子。好像能從當時的氛圍重新找回在大學時失去的勇氣與夢想，某些方面，老搖滾好像一種宗教，改變了自己的生活態度。不曉得發生在九十年代的<另類革命>我參與了多少，至少我很榮幸的經歷了前半部，那個少有金錢遊戲與虛偽矯情的部份。

1998年某深夜我在書桌上寫著這篇滿是回憶的稿子，數個月後又即將面對人生另一關卡-----畢業。我能說什麼呢？女友已離開、Kurt已逝、搖滾已變質、我的高中生活也一去不復返。現在是凡事變化太快、太表面化的時代，不知道以後人生會有什麼改變？

沒關係，我會NIRVANA的。


註：Nirvana有人譯為超脫、有人譯為涅盤，魏式（Webster）辭典解釋為：
"the state of perfect blessedness achieved-----
by the extinction of individual existence;
by the absorption of the soul into supreme spirit;
by the extinction of all desires and passions."

---

寫於Cobain自裁十周年前夕


Kurt Cobain (1967-1994)

十年前的4月5日， Kurt Cobain用一把獵槍結束了自己生命，那時他享年二十七。巧的是，現在我也同為二十七歲。

你們都會記得幾年前某一天，當刻正在做什麼事情嗎？對我來說，十年前那種印象再鮮明不過了。

1994年4月9日，令人永誌難忘的一天。我還在念高三，特別沉迷於老搖滾、重金屬與Grunge，下午下完課會去台北車站旁K書中心唸書。我是那種在K書中心桌上擺著十幾張Pink Floyd專輯連續播放的愛樂狂熱份子，整天用耳機聽著隨身聽，嘴巴不時老氣橫秋地念著自以為酷的歌詞、並把歌詞抄在課本空白處、會用CD Booklet當參考書書籤的人。

話說當天傍晚，另一位喜歡聽熱門音樂的同學告訴我Cobain已於4月5日自裁，屍體過好幾天被發現的外電新聞。整個人愣在那邊。因為當天穿在我白色校服襯衫裡面，恰好是印有Nirvana團員圖樣的白色T恤。立即發瘋似地去便利商店找尋報紙相關報導，說的盡是那些海洛因肇禍的負面說法。那件衣服從那天起就再也沒穿過，現在早已泛黃但仍完好保留在衣櫃裡；剪報也都還在，祇都沾染上了歲月痕跡。

當時很嚮往Grunge，對他們的自在不羈的態度相當認同，打算考完聯考後去西雅圖走走，體驗一下前所未有的生活。考完聯考後的那個暑假西雅圖沒去成，反倒去了趟澳洲。多年後因緣際會跑遍美國東岸與加拿大，唯獨西雅圖到現在仍尚未去過。

剛才從電視看到兩年前在英國列車車禍遭遇不幸，僅存下來靠意志力復健的女主播東山再起的新聞，感觸很深刻。放棄或許是很容易的決定，每個人或許都有各自的生活經驗，都能具有主張決定自己命運的權利。但，自我解脫對於還活下來的人們而言絕對不是最好答案，那並不意味著真正心靈超脫(Nirvana)的境界。那天晚上，對於遠在地球另一端的我而言，Cobain自裁事件等於宣告了我的青春期提早結束。心目中搖滾英雄殞落所隨之而來的沉重幻滅代表著我真正成長的開始。

It's better to burn out than to fade away?或許跨過另一個十年關口後，我能把有限的生命看地更透撤吧？


--
My, My, Hey, Hey (Out Of The Blue)
Neil Young

My my, hey hey
Rock and roll is here to stay
It's better to burn out
Than to fade away
My my, hey hey.

Out of the blue
and into the black
They give you this,
but you pay for that
And once you're gone,
you can never come back
When you're out of the blue
and into the black.

The king is gone
but he's not forgotten
This is the story
of Johnny Rotten
It's better to burn out
than it is to rust
The king is gone
but he's not forgotten.

Hey hey, my my
Rock and roll can never die
There's more to the picture
Than meets the eye.
Hey hey, my my.

--
Neil Young對於Cobain的死也有著複雜的情緒，都把它們表現在專輯
Sleeps with Angels(1994)裡。

Villa-Lobos, Heitor

在紐約Villa-Lobos的音樂還蠻常聽到的,因為這個城市amigos很多,而他幾乎被認定為巴西國寶. 最深刻是今年中央公園音樂會,2003主題是拉丁美洲作曲家,他的音樂當然會被選入囉! 自己最喜歡他的"Bachianas Brasileiras"系列組曲,中文翻譯為"巴西風情的巴哈"組曲,帶有濃厚的巴西風味,適合夏夜聆聽.

我共收集到Bachianas Brasileiras nos.2,3,5,6,9. 第三號是由自己很欣賞的女鋼琴家Cristina Ortiz與Ashkenazy合作. 還有一張他自己指揮的no.5,由女高音Los Angeles演唱. 絕美. 其他的如Fantasia Concertante for Orchestra of Violincellos,加上他自己改編巴哈平均律管絃組曲一樣動聽.

Tubin, Edward

現在手邊有兩樂章的第九號,管絃作品Eastonian Suite與Toccata合在一張BIS的唱片(LP-264). 版本是Neeme Jarvi指揮The Gothenburg Symphony Orchestra. 值得一提的是作曲家與指揮同樣來自愛沙尼亞,那首第九為世界首度錄音.(81'live)

順道推薦一下來自北歐的好作曲家. 基本上BIS出品的都有一定水準,不論在發燒錄音或演奏水平的角度. 另外,NAXOS好像已出了一些符合愛樂朋友預算的中低價位錄音,或可挑選有興趣的試試...聽多了德奧的厚重或英倫的優雅,有時候來自北歐的自然芬芳也能讓聽眾感到無比暢快..:)

同樣來自Sweden的優秀交響曲--
Alfven: Symphony No. 4, "From the outskirts of the archipelago", Op93
Stenhammar: Symphony No. 2 in G Minor, Op34

與具有Scandinavian風味的其他交響名著--
Sibelius (Finland): Symphonies(7),
Kullervo,symphonic poem
Grieg (Norway): Peer Gynt, incidental music, Op.23
Nielsen (Denmark): Symphony No. 2 "The Four Temperaments", Op.16
Symphony No. 3 "Sinfonia espansiva", Op27
Symphony No. 4 "Inextinguishable", Op29

Tcherepnin, Alexander

Tcherepnin, Alexander (1899-1977)

齊爾品,俄國當代鋼琴與作曲家,作品含豐富異國元素. 出身音樂世家,於巴黎求學,曾於靈感巔峰時期旅行日本與中國等地尋找素材,所以後來以創作俄羅斯風格兼具東亞風味的音樂聞名. 他的作品色彩豐富,管絃配器大膽,晚年還嘗試拓展到電子音樂領域.

跟Scherchen一樣娶個中國太太. 後來定居紐約,病逝於巴黎.

Toscanini, Arturo

在大學開始狂收BMG重發美版的托斯卡尼尼大全集(LP時期隸屬於RCA Victor). 不知為何當時我很能忍受那種歷史錄音所發散出的朦朧美,幾首標準曲目都被他的詮釋深深吸引住.

後來白底燙金字美版CD好像不常見了,轉而是日版(中文叫托斯卡尼尼決定盤)充斥於市面. 現在都是買以前RCA的古老膠片,錄音仍舊蠻糟糕的. 托斯卡尼尼晚年在NBC的錄音,華格納序曲集是十分傑出的,但仍強力推薦Respighi羅馬之松羅馬之泉系列錄音靈氣活現,真的能令人眼睛一亮.

在這時代喜歡聽托斯卡尼尼指揮作品的樂迷不多了,他的作風與錄音效果似乎都與現代人對於自我風格或細緻的追求格格不入. 若想知道他偉大生平或傳奇軼事可以想辦法去租或借一部1988年的電影來看看:

Young Toscanini (中文名稱:少年托斯卡)
導演 : Franco Zeffirelli
演員 : C. Thomas Howell-Arturo
Elizabeth Taylor-Nadina Bulicioff

斗膽推薦一下個人認為必聽的傑作 :
貝多芬 -- 九大交響曲 / 莊嚴彌撒 / 小提琴協奏曲(與海非茲)
布拉姆斯 -- 四首交響曲(與愛樂管絃)
普契尼 -- 波希米亞人(歌劇)
雷史碧基 -- 羅馬之松 / 羅馬之泉
蕭斯塔高維契 -- 第七號交響曲"列寧格勒"
柴可夫斯基 -- 第六號交響曲"悲愴" / 第一號鋼琴協奏曲(與霍洛維茲)
威爾第 -- 法斯塔夫(歌劇)
華格納 -- 序曲集

Furtwangler與Toscanini兩位老大師很可惜沒有活到立體聲發威的時代. 不過Toscanini生前最後一場音樂會錄音就是號稱Stereo,可惜聽說效果不佳. Arkadia CDMP 414 (Carnegie Hall,April 4,1954)

Tchaikovsky--第一號鋼琴協奏曲

Tchaikovsky-Piano Concerto No.1 in B Flat Minor op.23

柴可夫斯基雖然身在國民樂派，作品卻承襲十九世紀的浪漫風格。他一生共創作三首鋼琴協奏曲，仍以1874年發表的第一號最受大眾歡迎。本協奏曲有許多美妙地令人秉息的和聲與弦律，而它的創作過程和音樂本身一樣充滿故事性。原先柴可夫斯基想把此曲獻給俄國前輩鋼琴家Nicholas Rubinstein，但魯賓斯坦認為這是一首內容貧乏鬆散且難以演奏的作品。柴可夫斯基無奈之下，只得轉手交由德國鋼琴名家Hans von Bulow。Bulow於1875年在美國波士頓首演並獲得空前好評，這才令俄國本土音樂界眼睛為之一亮。後來魯賓斯坦也承認判斷失誤而向作曲家表達歉意。

這首當時被認為命運多舛的鋼琴協奏曲今日已成為各大師爭相表達樂念想法的標準曲，彈奏技巧的艱深也成為後起之秀挑戰市場的試金石，首樂章法國號以澎湃無比的氣勢接著鋼琴降D大調和弦呼應的弦律之浩蕩是難以忘懷的。小弟建議以四種脈絡去聽: 分別是俄國學院派大師霍洛維茲、李希特與吉爾利斯; 來自南美洲的阿格麗希; 大不列顛天才神童奧格登; 冷戰時期美國古典樂希望的范克萊邦與堅尼斯。

霍洛維茲和托斯卡尼尼在RCA的單聲道版(1943)是一則傳奇。話說四十年代初期是霍老最意氣風發的時候，剛把托老的女兒Wanda娶進門、順利取得美國籍，recital檔期排地滿滿的，為二次大戰也募得不少基金而被傳為美談。先不論鋼琴家還是指揮家的女婿這層關係，有趣的是早年Horowitz的狂狷氣質在這份錄音裡竟然消失殆盡。這兩位脾氣超大、律己甚嚴的藝術家世紀合作，鋼琴在管絃樂團下雖然快速刺激但不敢太過逾矩，少了種飆技的味道，彷彿屈服在老丈人的威嚴之下。還好，霍洛維茲仍還算成功地掌握住每一個音符的強弱變化，第二樂章裡的詮釋琴音甜美而不感傷。錄音因年代久遠成效不佳，然而精采有餘不致失序，算是一場能通過時間考驗的歷史錄音。

說到這首鋼琴協奏曲，卡拉揚跟李希特與維也納交響樂團的大花版不能不提，弦樂華麗中不失細膩，鋼琴家表現出技巧與營造出的意境更是沒話說。聽過另一個穆拉文斯基+列寧格勒愛樂+李希特嗎? 我有一張很老的唱片，十足暴力派的詮釋。李希特跟卡拉揚音色技巧各方面都是均衡完美的，值得推薦; 李希特與穆拉文斯基則是原汁原味粗曠有勁，與前者各擅勝場。若要問感受，個人是喜歡Richter & Mravinsky多一些，但我覺得它是acquired taste; 相較來看Richter & Karajan是很保險的選擇。

吉爾利斯則有相當多錄音，據說能找到的cd就有十多種，普遍被認為是柴一的最佳詮釋者。筆者手邊有三個，一是與萊納、一是與馬捷爾，還有與祖賓梅塔的紐約現場。前者是奠定鋼琴家在美國名聲的優秀演出，與馬捷爾的那套還有合作較不知名的第二與第三號鋼琴協奏曲，最後與梅塔的那張傳奇錄音則於1979年與紐約愛樂在林肯中心。吉爾利斯是美蘇冷戰時期第一位赴美的蘇聯鋼琴家。那時是55年，他與奧曼第指揮費城管弦合作的就是柴可夫斯基的第一號鋼琴協奏曲，而後與萊納的錄音更堪稱同曲目中的經典。那還是55年，也就是吉爾利斯第一次成功美國巡演時空檔。某個寒冷週六上午在芝加哥，萊納指揮芝加哥交響樂團。有時樂團與鋼琴聲響似乎是處於緊張的狀態，而吉爾利斯以實力證明CSO的龐大音響是壓抑不住爆發力超強的鋼琴彈奏的。雖說聽來感覺是劍拔弩張，實際上指揮與鋼琴家在session中不斷地用心琢磨交換意見，直到兩位達到共識為止。這張單聲道錄音也是我目前最愛的版本。

比較兩位同是來自俄羅斯鋼琴大師，Richter雖然大Gilels一歲，Gilels卻是Richter的學長。Gilels與Richter皆曾經是莫斯科音樂院名師Neuhaus的高徒，不同的是前者在新大陸成名甚早，後者則憑藉過人天賦有凌駕前者之勢，兩位maestros把自己個性傳達演奏裡聽來相當過癮。兩者在這首鋼琴協奏曲的演繹也不大一樣，Gilels觸鍵強悍有力; Richter則力求對比變化，優異技巧下相同的是都流露著濃郁的斯拉夫民族感情。

阿格麗希來自阿根廷，是大師顧爾達與米開蘭傑利的高徒，在十六歲時就已經贏得布梭尼和日內瓦大賽。她在1965年十七歲時，以勢如破竹姿態贏得在華沙舉行的蕭邦鋼琴大賽首獎以後，熱情奔放、巾幗不讓鬚眉的濃冽個人風格吸引了全世界樂迷的目光。她的演出至少有兩款，一是與前夫杜特華一是與阿巴多，兩張都很不錯。阿格麗希與杜特華老實說並不常聽，覺得反倒沒有她後期有個性。我比較喜歡阿姨後期的表現，丰采依舊迷人，與阿巴多的4D新錄音我很愛聽，記得補白是胡桃鉗雙鋼琴組曲。

奧格登(John Ogdon)這個樂迷不熟悉的名字，其實他代表著六十年代英國樂界的榮耀。他和阿胥肯納吉(Vladimir Ashkenazy)於1962年的柴可夫斯基鋼琴大賽並列第一名，屬於神童人物。早年演奏事業順利，但精神方面的疾病一直困擾著他，89年因病撒手人寰。在這張與巴比羅里爵士合作的第一號錄音裡，Barbirolli以循循善誘的方式使Ogdon發揮，首樂章觸鍵的力道與撞擊力十分驚人，而慢版樂段又是柔情似水，是張被忽略的好演出。

范克萊邦是第一屆柴可夫斯基鋼琴大賽冠軍，據說跟當時評審李希特全力護航有關。當年美國新希望與孔德拉辛在卡內基廳的現場錄音算是見證一段歷史，琴藝精湛、不過分冒進，成功營造出一種夢幻情愫，但是樂團表現似乎不佳。在匹茲堡地區成名甚早，堅尼斯(Byron Janis)則是另一位萬眾矚目的新秀巨星。堅尼斯在此曲也屬於瘋狂一派，首樂章疊疊層層厚重的和弦排山倒海而來，第二樂章舒緩度稍有不足，末樂章施以狂野的節奏與失控的音量、炫技而不混亂，他與指揮Herbert Menges合作的錄音被以發燒聞名的廠牌Mercury Living Presence發行。兩人曾於五十年代末期連抉以文化交流名義到蘇聯展現琴藝，也向全世界證明美國本土除了伯恩斯坦外也可以出產優秀的音樂人才。

推薦聆賞版本:
Horowitz, piano; Toscanini (NBC Symphony Orchestra)--lp
Richter, piano; Ancerl (Czech Philharmonic Orchestra)--lp
Richter, piano; Karajan (Vienna Symphony Orchestra)--lp,cd
Richter, piano; Mravinsky (Leningrad Philharmonic Orchestra)--lp
Gilels, piano; Reiner (Chicago Symphony Orchestra)--lp
Gilels, piano; Maazel (New Philharmonic Orchestra)--lp
Gilels, piano; Mehta (New York Philharmonic)--lp
Argerich, piano; Dutoit (Royal Philharmonic Orchestra)--lp
Argerich, piano; Abbado (Berlin Philharmonic Orchestra)--cd
Ogdon, piano; Barbirolli (Philharmonia Orchestra)--lp
Cliburn, piano; Kondrashin (RCA Victor Symphony Orchestra)--lp
Janis, piano; Menges (London Symphony Orchestra)--lp

Tchaikovsky--悲愴錄音

前面有一篇六年前寫的介紹文章。記得當時二十來歲喜歡的是火熱刺激的第四號與刻骨銘心的Manfred，現在則愈欣賞作曲家的天鵝之歌第六號。覺得它的編排相當有味道，從低沉開始，經歷過優美的高峰，最後於靜寂裡緩緩結束，不得不讓人由衷感動於這首曲子樂念豐富與內涵貼近真實的人生。作曲家於首演幾天後就因不知名的原因過世，究竟是食物中毒意外抑或厭世自盡，則又是團千古難解的謎題了。

今晚趁機會做個版本整理，順道對手邊第六號交響曲錄音作粗淺的評論。但建議大家有機會能多去現場聽，畢竟身歷實境的感受還是不同的：

Abravanel--Vox (LP)
力道粗獷形式美的精采錄音。
Ansermet--DG (LP)
耐聽，弦樂優美。
Ashkenazy--Decca (LP)
中規中矩，錄音效果傑出。
Barbirolli--EMI (LP)
色彩獨特，速度對比強烈。
Celibidache--EMI (CD)
個性強烈，戲劇效果極佳。
Gergiev--Philip (CD)
狂暴細膩兼具，近代錄音首選。
Karajan--DG (LP)
深情浪漫，華麗細緻。
Mravinsky--DG (LP) (CD)
圓融成熟憾動人心，個人私密最愛。
Munch--London (LP)
浪漫與理性融合典範。
Reiner--RCA (LP)
霸氣十足，盛氣凌人的演出。
Rostropovich--EMI (LP)
哀傷沉溺，有著另種風味。
Toscanini--RCA (LP)
造型端正，冷竣堅硬。

--
還沒聽過而計劃購買中:
Bernstein傳說慢到極點的現場錄音
Mravinsky勇猛異常的晚年現場錄音
Temirkanov(聽過現場後就念念不忘)
林克昌(只有四五卻一直找不到第六)

Tchaikovsky--The Music Lovers

前言：

日前在第四台看到有關柴可夫斯基的傳記電影The Music Lovers有些小感觸。曾記得幾年前看過Tommy--英國搖滾樂團The Who石破天驚的概念搖滾歌劇改編的電影，由Ken Russel，被譽為戰後最具顛覆意識的導演所執導。只見在超過三小時的迷幻旅程中，導演運用超寫實手法，把Elton John變成小丑、Tina Turner變成吉普賽妓女，但原著中反教條反體制、甚至反智的悲劇人物Pinball Wizard---Tommy卻成為面目模糊的社會象徵，導演所欲藉以攻擊社會現象的代表人物。

The Music Lovers剛開始流暢的古典運鏡我還以為Ken Russell被好萊塢收編了，但接下來柴氏夫婦貌合神離至完全瘋狂的描寫及幾位主要人物的心理狀態使我對導演又恢復了信心。我相信不管此片是否偏離史實，玩弄技巧；抑或表現出天才內心憂鬱、孤獨的小世界，Tchaikovsky的音樂是最不會使人忘記的。

經由Tchaikovsky斷斷續續至1890年的通信記錄中（坊間有專書），我們可知梅克夫人是最欣賞及了解柴氏音樂性格與內在感情的人。柴氏生於俄羅斯民族樂派（五人團）和繼承德奧古典樂風（Anton Rubinstein）相互較勁的十九世紀末期，他那感情豐富、旋律優美的樂曲曾使當時樂評及輿論對其音樂有相當不同的意見與爭議。不同於Bach、Mozart流暢崇高對上帝的謳歌，Tcaikovsky、Gustav ahler的音樂是充滿命運的殘酷、人的不完美及不確定的未來。在二十世紀末人與人關係的疏離、對明日的普遍恐懼都使強調內在感情（自我？搧情？人性？）的音樂在今日得到很大的迴響。讓我們再回到這部電影，看過的同好們一定會被1812序曲、柴氏兄弟追逐名利喪失自我、到最後作曲家選擇以同樣方式回到母親懷抱的結局感到不安或同情。換句話說，導演的目的達到了，而前後電影語言的不一致（柔和-暴力）也使我們對於人性、本我、目的有更深一層的醒悟。


最後三首交響曲

愛樂同好多把柴氏最後三首交響曲相提並論。本人則也很喜愛他在第四、第五號之間的Manfred Symphony。四首合稱悲愴四部曲。OP36於1878年首度公演，是首有關擺脫不了的宿命、童年、及內心體驗的作品。開頭與結尾令人印象深刻的銅管木管咆嘯的軍樂合奏代表斯拉夫民族固有的熱情，但隨後又帶有深深的憂愁，是作者個人內心的寫照。OP58則是一首帶有標題的交響曲（曼弗雷德），以詩人拜倫同名的詩作為主題，透過悲劇人物Manfred在阿爾卑斯山上的殉情及地獄狂想代表作者年輕時代一去不復返的愛情Manfred主題貫串四樂章，最後則淨化與升天。OP64因為第三樂章圓舞曲而知名。其實它代表著作者成名後內心卻孤獨的世界，第一二樂章如向晚的夕陽般美麗而即將消逝。最後兩樂章則代表作者對命運做最後一博，把自己生命過程化為具體的音符，直到最後悲愴的結束。


最後的餘暉─悲愴

OP74首演於作者逝世前的一週（1893.10.28）據說當初樂曲命名時柴氏曾將其取名Tragic，在弟弟Modejte的建議下改為現有名稱。第一樂章的第一二主題表現的仍是較平和、抒情、回顧式的進行。直到中間尾聲銅管樂器突然狂飆，速度變快，暗示著人生的巨變。第二三樂章卻都是優美的快版。不同的是第二以悲哀的音調結束；第三有進行曲funeral march的意味，最後則以興奮結尾。最後樂章則代表作者自身生命的終結。開始就是悲哀的慢板，全曲則在不知不覺中慢慢結束，好像Mahler的天鵝之歌第九號交響曲一般，沒有超脫的體驗，只留下人世間雜陳的回憶，使每個聽眾共同感受那絕望的深淵。


結語：

音樂的確能使人不朽，至少Tchaikovsky的能如此。記得影片中梅克夫人對Nicoli Rubinstein說過，天才的音樂能超越俗世的財產及人為的體制而獨立存在。在對眾家大師版本比較或音樂與人生先位關係的反覆辯證同時，我們何不跳脫？追尋作曲家樂譜內所架構的人生，使我們在啜飲凡塵俗世點點滴滴之後，或能發掘出每個人的共通及相異處，以更包容的心面對不可知的未來。我想，這就是音樂帶給每個平凡人的禮物吧？

Takemitsu, Toru

"我熱愛電影是因為我能用音樂去感受它"。好幸福的武滿徹，二十六歲的他第一次獨立作曲替Ko Nakahira執導的Crazed Fruit編寫配樂而一舉成名，後來更以沙丘之女、利休、黑雨、切腹等成為著名配樂家。在他六十六歲的人生中除了以日本前衛音樂作曲家與音樂理論著作傳世，自己感到有同感的是對於電影這個第八藝術喜愛的態度。他喜歡看不同國家、不同文化所激盪出的影像與聲音的結合，這種方式可以探索不同地區人民的生活方式、群體思考。儘管有語言上的隔閡，還是可以透過眼睛與耳朵理解人們的想法。影像（image）與聲音（sound）的結合是他最有興趣的。

雖然您在音樂的波浪起伏中聽不到一段完整美妙的主題旋律，仍然可以用耳朵去感受那纖細、淒清....沒有人可以模仿得來的音符（或者您可形容為"聲音"）。在收錄武滿徹音樂文章的"Confronting Silence"一書裡，我們知道他想創作可以自由呼吸、獨立於影像存在的音樂形式，其中包括寂靜（silence）和精密計算出來的音符。在九三年一篇有關其音樂結構和美感的研究報告"The creative sources for the music of Toru Takemitsu"指出一種神奇的、經不同音樂實驗而成的作曲技巧 "PAN-FOCUS" ：旋律的分割構成樂曲的整體架構；色彩層次豐富的配置描繪出獨特的歷史質感。

我聯想到印象樂派Claude Debussy的管絃組曲；Nino Rota的西西里小調與費里尼（Federico Fellini）的珠聯璧合；John Cale與Assayas的另類碰撞。就我而言，聆聽武滿音樂的最大的魅力還是在於觀賞電影本身與聆聽音樂時交雜相錯的瞬間。就算無緣接觸弦樂四重奏等實驗風格強烈的作品（指揮家小澤征爾有灌錄大部分），聽眾依然可以從小時候看老電影的模糊回憶去感受幽渺、幻夢般的詩意。他難能可貴地少用日本傳統樂器表達出西方人所認為專屬東方音樂的氣味。他說祕訣在於遵守東方特有的中庸之道："我不喜歡過於純粹（pure）或過於修飾（refined）"對他而言："電影是另一種人生的體驗，因此會有喜有悲，音樂負起的任務就只需撩起觀眾與聽眾剎那間對生命的感動就行了"。聆聽武滿徹是在泛泛大眾中得到知音的興奮；是人生如戲戲如人生的寫照。

In Memory of Toru Takemitsu (1930-1996)

Svendsen, Johan

原先是管絃樂團的小提琴首席，後來因為左手神經痲痺而改行指揮及作曲。受到長輩葛利格的賞識，同時學習貝多芬與華格納樂曲裡的條理脈絡。但眼光卻放在挪威的好山好水中，在其音符裡描述斯堪的納維亞的壯麗極地風光，堪稱是愛國作曲家。第一二號交響曲都是箇中代表佳作，尤其是第二號呈現哀怨優美的牧歌風情相當迷人，可與西貝流士第二相提並論。可惜第三號完整手稿在1882年一場爭吵中被其夫人丟到火爐裡燃燒殆盡。

Symphony No. 2 in B flat major, Op. 15
Performed by Oslo Philharmonic Orchestra
Conducted by Oivin Fjeldstad (NKF 30 009)

Stravinsky, Igor

小弟買唱片挑不同版本有兩個原因,一是太喜歡了就慢慢收集其餘感興趣的詮釋(但也不會全收),另一個是大家都說好但自己聽不出所以然或不滿意錄音也會一買再買.

The Rite of Spring就是屬於後者的例子,在台灣買了楊頌士(奧斯陸愛樂)與布列茲(克里夫蘭管絃)的cd,嗯,只覺得銅管及弦樂合奏時很吵很過癮. 隨著年齡漸長,想仔細聽音樂,在台北與美國陸續收了:(lp)

Montuex(波士頓交響),錄製時間1957,奇怪的是由Nippon Columbia發行(日版). 雖說孟都是本曲首演指揮,但節拍死板缺乏魅力,難怪1913首演時還發生大暴動.(開點玩笑)

Stravinsky(哥倫比亞交響)是歷史文獻了,作曲家本人得以把自己的觀點直接表現在立體聲的唱片上,也算相當幸運. 可惜創作者不見得是最好的演繹者,整體而言高潮度不足,音色沒預期中的光鮮艷麗.

Ansermet(瑞士羅曼德)把音樂流動之美表達的淋漓盡致,音場廣闊,動態分明,節奏與力道掌控恰到好處. 安賽美不愧是芭蕾舞劇音樂的最佳代言人.(好像是音響廣告詞)

Maazel(維也納愛樂)也是小弟個人十分欣賞的演出. 維也納弦樂群的整齊美聲是可以預期的,馬捷爾在氣氛的醞釀與情緒的鋪陳上都相當細膩.

春之祭有分為1913與1947版,可是沒興趣比較;好像也有四手聯彈鋼琴版,不過就沒聽過了.

Strauss, Richard

目前為止最後四首歌LP或CD的收藏：
Della Casa / Bohm / Ace of Clubs
Schwarzkopf / Ackermann / Angel
Schwarzkopf / Szell / Angel
Price / Leinsdorf / RCA
Janowitz / Karajan / DG
Norman / Masur / Philips
Popp / Tennstedt / EMI

Stenhammar, Wilhelm

Stenhammar早年受到李斯特啟發，後來深受華格納樂劇影響擅於譜寫具有陽剛之美的大編制管絃樂與聲樂曲。第二號交響曲有濃厚布魯克納風格，同時遵循古典結構形式與嚴謹對位。Snofrid (史諾菲德)是一齣聲勢浩大的聲樂曲，描寫瑞典民族女英雄的事蹟，也曾被譽為可與華格納"女武神"相比擬。

Symphony No. 2 in G Minor, Op 34
Excelsior!, symphonic overture, for orchestra, Op 13
Performed by The Gothenburg Symphony Orchestra
Conducted by Neeme Jarvi (BIS LP-251).
Serenade for orchestra in F, Op 31
Performed by Stockholm Philharmonic Orchestra
Conducted by Rafael Kubelik (Helidor HS 25086)

Shostakovich--Two Violin Concertos

Violin Concerto No.1完成於1948年，大致上介於第九號與第十號交響曲的那幾年空檔裡。音符裡充滿著灰暗沉重的色彩彷彿暗示著戰爭的悲情，作曲家自傳色彩濃厚。個人覺得像是個抽掉小號與長號編制，加重小提琴獨奏角色的小交響曲。本曲共有四樂章，演奏時間三十五分種左右。小弟有一張Oistrakh與當時還稱為Philharmonic Symphony Orchestra of New York的紐約愛樂總監Mitropoulos攜手在1956年於Carnegie Hall的首次商業錄音.(Columbia ML5077) 指揮把紐約愛樂的動能驅策到最高點，與小提琴獨奏形成微妙的競爭-合作態勢，聽來十分過癮，聲音品質尚稱滿意。在唱片背面解說讀到1955年Oistrakh於東岸舉行首次獨奏會所造成樂界的瘋狂熱潮，隔年隨即打鐵趁熱灌錄這首好評如潮的作品。他本人也參與此曲的世界首演，曾形容本曲”形式近似於第十號交響曲，堪稱蕭式最動人、深具內涵的經典”。

印象深刻的是曾於Lincoln Center的Avery Fisher Hall二樓音樂會空檔，在有關NYP歷年最具代表性唱片櫥窗裡看見這一張單聲道錄音。很驕傲的是它所展出的三十三又三分之一轉lp我已收齊大部分。現在重發的cd版還包含有Rostropovich與Ormandy的大提琴協奏曲，算是相當超值。

Violin Concerto No.2則完成於1967年，原本是要給作曲家摯友Oistrakh的六十歲生日禮物，但卻陰錯陽差地提早一天送出去。無論如何，可以聽到這闕感人的音樂也不啻是樂迷之福，禮送的恰不恰當也不是那麼重要了。聆聽此曲時，感覺第二號就如同蕭式後期的作品一般冷冽陰沉而具深刻內省風格。與第一首不同的是，Shostakovich此曲的管樂部地位加大與小提琴同等，更帶有藝術家晚年孤寂悲愴的氣味。最動人的部分在於慢板樂章，在夾雜著困惑與悔意開始，提琴聲音如泣如訴，在輓歌般的小號獨奏中悄悄結束。這首編制輕薄、時間較短小的協奏曲我推薦的還是被樂迷暱稱為"King David"的David Oistrakh演奏的版本，指揮為也同是作曲家知音的Kondrashin(孔德拉辛)。小弟手裡是Melodiya製作，EMI(Angel)發行的再版唱片; B面為蕭式的第六號交響曲。

Schumann -- 小提琴協奏曲

古典樂界有所謂三大小提琴協奏曲,分別為貝多芬/孟德爾頌/柴可夫斯基. 而近年來布拉姆斯/西貝流士小提琴協奏曲在世界各地被演奏與錄音的次數頗有凌駕之勢. 但某些沒能得到該有評價的曲目也悄悄地浮現天日,一個例子就是由德國作曲家舒曼為自己所譜寫的天鵝之歌--小提琴協奏曲in D Minor.

1853年,舒曼嚴重精神崩潰之前,信心滿滿地作了此首曲子,並且向當時的名小提琴家姚阿幸請教意見. 但姚阿幸卻在面前給了個"unplayable"的評語. 1856年舒曼過世後,克拉拉舒曼曾請姚阿幸修改最後樂章但也沒有結果. 1858年勉強於萊比錫舉行了一場私人演出但大為失敗,使的當時負責修訂舒曼樂譜全集編纂的布拉姆斯也認為此曲並不傑出而沒有納入裡面.

幾十年後,姚阿幸的兒子將舒曼的遺稿賣給Prussian州立圖書館,並限定要等到舒曼死後100年才發表. 1937年音樂史家Georg Schunemann偶然間發現此手稿且不顧舒曼女兒的意見出版. 小提琴家Kulenkampff於1937年11月26日將此曲首演於柏林並獲得成功. 換句話說,舒曼完成此曲足足等了超過83年後才獲得應有肯定.

聽到這首曲子背後一段故事後,樂友應該不要再讓她跟我們擦肩而過了. 就錄音與卡司來看,謝霖與杜拉第的詮釋應該是頗具代表性的. 這片CD中文側標為"舒曼D小調小提琴協奏曲與孟德爾頌E小調小提琴協奏曲"(發燒天碟系列Mercury-66). 舒曼小提琴協奏曲一直是最不被重視而又相當秀異的小提琴曲目之一. 第二樂章甜美溫文含蓄到第三樂章波蘭舞曲風恣意亂舞的節奏似乎也正代表著作曲家晚年複雜的精神狀況. 第四軌以後Mendelssohn小提琴協奏曲算是中規中矩. 推薦一下接下來的幾首短小曲子(Bartok/ Debussy)更能夠表現出Szeryng音色如貴族般雍容華麗.

對了,舒曼有另一首小提琴與管絃樂的曲目也十分動聽. 創作時間比小提琴協奏曲D minor還要早一點(1853)但同樣是乏人問津--Fantasie for violin & orchestra (piano) in C major, Op. 131. Mutter與Masur/紐約愛樂的以下這張合作專輯裡有收錄:

Schumann, Robert

Robert與Clara的愛情故事十分曲折離奇。最後雖然還是才子佳人共譜良緣，但當Robert晚年精神崩潰時，還年青的Clara所承受的壓力絕非一般我們能夠想像。布拉姆斯身為悶騷派音樂家掌門人，與知遇恩人的妻子Clara由於相知相惜所迸發出若有似無的情愫，後世也只能夠透過音符自行猜想了。

還想提的一點是，Clara Wieck Schumann(1819-1896)身為作曲家與鋼琴名家的地位未來應該會被廣泛認同，比方說她所譜寫的G小調鋼琴三重奏(Op.17)在旋律感與結構細膩度上絲毫不輸給丈夫的表現。她單被當作舒曼妻子而非傑出女性作曲家Clara Schumann的不公平論述實在太多太久了。

推薦的入門作品除了 A小調鋼琴協奏曲、夢幻曲(兒時情景)、「詩人之戀」聯篇歌曲以外，他那被埋沒已久的D小調小提琴協奏曲真是美麗孤絕。尤其第二樂章，簡直是從天上雲朵間掉下來的美妙音樂。此外值得入門欣賞的還有鋼琴三重奏、四/五重奏、大提琴協奏曲、交響曲第三號"萊茵"、聯篇歌曲集"女人的愛情與生命"等等。

Kinderszenen(兒時情景)是舒曼最有名的鋼琴曲集，裡頭夢幻曲旋律可說是無人不知無人不曉大家多少會哼上兩句。當然好聽的不只那首，裡面titles都很童摯也很有趣，是成年人回憶自己小時候調皮情景的作品。

Schubert三首作品介紹

A Valentine's Song for Classical Fans -- Schubert: Die schone Mullerin D. 795 (Op. 25)
(舒伯特聯篇歌曲「美麗的磨紡少女」)
(作詩者: Wilhelm Muller)

青年愛上了美麗的磨坊少女。由於個性羞澀寡斷，所有隱藏愛意都祇對磨坊旁潺潺溪流透露，向小溪傾訴他感情的堅貞忠誠與對少女的情愫。但少女愛上獵人，於是青年暗戀心碎，傷心欲絕。然而溪水還是一如往常地流過，與青年的滿懷愁緒一同慢慢消逝。推薦版本: Fischer-Dieskau / Gerald Moore (piano) & Schreier / Ragossnig (guitar)




Schubert: String Quintet in C, D. 956
(舒伯特C大調弦樂五重奏)

C大調五重奏與三首鋼琴奏鳴曲,第九號交響曲與冬之歌並列為舒伯特創作生涯晚年巔峰的傑作,也是聆聽浪漫時期不可或缺的偉大巨著. 這首算是我最喜歡的五重奏吧,它在上世紀中以前不大受重視,可能跟他每個樂章時間又長又厚重而不討喜有關. 現在大家似乎都能適應與欣賞這首極為深刻繁複的龐大作品. 在這裡第二大提琴與其他樂器互動密切,製造出複雜的肌理而又不喧賓奪主. 個人最常聽Rostropovich七十年代末期與Melos合作的唱片,琴音溫暖生動,錄音平衡空間感適中.

我有Rostropovich與三個不同四重奏團合作的版本,依照年代分別是:

(Westminster) Taneyev Quartet -- LP

(DG) Melos Quartet -- LP (與CD封面不同)

(DG) Emerson String Quartet -- CD

1995年的電影Carrington(玻璃情人)除了Michael Nyman的配樂還有用到C大調五重奏第二樂章慢板的一部分,十分迷人.

Rostropovich, Mstislav

Rostropovich, Mstislav (1927--)

Rostropovich相當平易近人。與其用Maestro等等尊稱，他還比較喜歡用Slava。Slava就是Rostropovich的專屬暱稱，在舞台上握指揮棒時就像是個脾氣暴躁的暴君，而下指揮台後就搖身一變成為和藹可親的老爺爺。今年三月在林肯中心Fisher Hall聽他指揮紐約愛樂，雖然預定要獨奏的阿格麗希臨時缺席，但詮釋依然火熱凌厲，震撼力不輸以往。音樂會結束後有幸在後台跟Slava合影與索取簽名，更是畢生難忘的回憶。

昨天又去聽了Slava的音樂會，心中至今仍澎湃不已。雖然由NSO國家交響樂團演出壓箱底的SHOSTAKOVICH交響曲"列寧格勒"過程實在讓人替他們捏了幾把冷汗，另外兩首小型曲目都還不錯，弦樂部表現稱職值得我們鼓勵一下。大師相當適合演出那種長篇沉潛富爆發力的巨構，記得在紐約聽Lutoslawski管弦樂協奏曲與Prokofiev第三號鋼琴協奏曲經驗也是如此。

--上半場--

TCHAIKOVSKY: Marche Slav
柴可夫斯基"斯拉夫進行曲"(1876)創作目的在於替當時俄羅斯與土耳其戰爭受傷士兵募款，裡面融合了當時俄國國歌"God Save the Tsar"(天佑沙皇)部分旋律，是相當受歡迎的小型曲目。1998年Slava也來台率領過NSO演出羅密歐與茱麗葉幻想序曲與布拉姆斯小提琴協奏曲。印象中當時樂團表現就是差強人意，銅管部讓我不大滿意，沒能把那種悲劇熱力傳達出來。可能"不溫不火"就是NSO特質吧!

RACHMANINOV: Rhapsody on a Theme of Paganini
這首已經算是家喻戶曉的名曲了。慢板部分被電影作曲家John Barry引申沿用作為浪漫電影似曾相識(Somewhere in Time)主旋律。這是臨時被加進來的曲目，想必主辦單位為了提振票房曾煞費苦心一番。鋼琴新秀Mechetina表現搶眼。

--下半場--

SHOSTAKOVICH: Symphony No.7
第七號交響曲原題"列寧格勒"，為紀念二次大戰期間被納粹德軍圍攻的列寧格勒而作。然而，個人認為作曲家創作的動機並沒有表面上歌功頌德式的民族主義這麼簡單。根據七十年代末期Volkov所編輯、真實度爭議頗大的作曲家回憶錄傳記《Testimony》裡面，對於極權暴政的反動、戰爭殺戮的厭惡、人性的卑微脆弱、以及對無辜受害性命的哀悼，似乎反而是Shostakovich想著墨的。在俄羅斯風格陽剛節奏與熱血澎湃裡，總是隱藏了一點敏感不安與嘲諷的因子。戰爭悲劇性的宿命，可能是這首曲子、甚至作曲家一輩子心中真正想表達的主題。

這首曲子作於1941年，標題為Leningrad，長度超過七十分鐘。每個樂章主題分別是: War(戰爭)--Reminiscence(追憶)--Native Expanse(祖國的曠野)--Victory(勝利)。最後漸進式non- troppo的快板樂章十分扣人心弦，彷彿悲愴的亡靈士兵進行曲無情地撞擊著我們心靈; 讓聽者反思戰爭的必要性，為這首龐然大物劃下強而有力的句點。1942年美國首演指揮為Toscanini。當時據說全美將近兩千家廣播電台同時播放，也堪稱為象徵時代意義濃厚的作品。戰後它曾自標準曲目中消失一陣子，近年其地位有上升的跡象。從歌誦戰爭勝利變為悲天憫人的安魂交響曲，以兩種心境聽都不會有所衝突，在隨時壟罩在毀滅陰影的現在聽來尤其怵目驚心。這或許就是第七號吸引人與不朽的地方吧!

本場音樂會重頭戲就在這超過七十五分鐘的交響曲。樂曲本身綿密厚重，但是否能把管絃樂層次豐富的一面表達出來就看指揮功力了。大師對於音樂的結構、張力與緊密度掌握都十分良好，雖然一開始樂團似乎不適應，後來整體表現也有倒吃甘蔗的感受。全曲結束大師相當有謙讓風度的一一引介各部團員，體力很好跑上跑下看不出有七十六歲高齡。唯一可惜的是聽眾反應並不如想像熱烈。在音樂會可能充滿尖酸刻薄樂評在席的紐約，今年三月二十二日與紐約愛樂演出結束是全場起立鼓掌達十分鐘之久。

至於錄音版本，當年首演指揮Toscanini在NBC Studio 8-H經典廣播實況(1942)也曾發行日版CD(托斯卡尼尼全集Vol.20)。若不計較聲音單薄，只能說虎虎生風的氣魄硬是穿透朦朧歷史錄音質感頗值得收藏。個人版本首選是作曲家摯友Mravinsky指揮列寧格勒愛樂(現為聖彼得堡愛樂)的演奏。雖然單聲道錄音效果不佳，但節奏粗曠強勁中卻能充分表達出蕭瑟的氣息，是我認為authentic的演出。如果要選一套最好的近代錄音的話Haitink指揮倫敦愛樂的版本不錯。雖然沒有原曲本有的肅殺氣息，數位錄音品質乾淨明亮、樂團表現優異，依然值得推薦。最後則是中生代翹楚Gergiev2003年新錄音，個人認為融合Mravinsky與Haitink之美，相信最後經的起歲月考驗。推薦!!

讀著解說冊與自己收集來的唱片封套，常常在想為何已經有這樣顯赫履歷的大師仍持續再接再厲。與Shostakovich、Prokofiev、Lutoslawski、Britten等交好，許多作曲家曾把大提琴作品提獻給他。他的名字是國民樂派後期與現代音樂歷史一部分，大提琴界歷史地位也與Casals、Fournier、Starker等人平起平坐。他大可在後半輩子高枕無憂的情況下寫寫回憶錄享用無盡的聲名，不需冒著因年歲老去被當代寫手批評技藝與專注力退化的風險堅持傲立舞台上演奏。或許堅持本身就是一種藝術了吧? 只要還拿地起琴弓或指揮棒，他願意繼續地把光和熱散發給聽眾--發掘樂曲內涵、貢獻琴藝，拉近作曲家與聽眾間的鴻溝，當然也包括我這個年紀小他快半世紀的樂迷。

台灣樂迷幸運的地方在於大師距離我們並不遙遠。相信很多朋友都跟我一樣曾跟他有近距離接觸。自1983年起，Slava曾十二次到台灣表演，熱情與心意絲毫不輸給肯尼吉或空中補給。而音樂，就是他所帶給我們愛樂族群最好的禮物。

給剛要入門聽Rostropovich的朋友，建議先找來兩張一套的巴哈無伴奏大提琴組曲聽聽(EMI;封面是達利替他畫的素描)。那套Cello Suites其實也很適合入門這個曲目，跟其他著名版本相比Slava較強調低音聲域與旋律起伏，在固守結構與發展想像空間之間達到美妙的平衡。而與塞爾、歐伊斯特拉夫共同合作布拉姆斯雙重協奏曲(EMI)堪稱是夢幻組合。此外，卡拉揚、李希特、歐伊斯特拉夫與他合作的貝多芬三重協奏曲(EMI)華麗陣容更是世紀絕響。



入門推薦唱片-

Bach: Cello Suites Nos. 1-6 (1995)

Beethoven: Triple Concerto; Brahms: Double Concerto
/ Oistrakh, Rostropovich, Richter

Dutilleux: Cello Concerto, Lutoslawski: Cello Concerto

Dvorak: Cello Concerto; Tchaikovsky / Karajan, Rostropovich

Haydn: Cello Concertos

Schubert: Sonata for Arpeggione and Piano etc./ Rostropovich, Britten

Shostakovich: Cello Concerto No1; Violin Concerto No1

Richter, Sviatoslav

Sviatoslav Teofilovich Richter (1915-1997)

某個跟失眠與報告搏鬥的夜晚，決定把手邊鋼琴家李希特的錄音整理整理。赴美這段時間收集了一些lp，留台灣的cd名單只能有空回國再辦吧! 嚴格來說，目前小弟唱片數量來看Rubinstein應該最龐大。Horowitz與Richter差不多，Argerich與Arrau再居次，但手邊的Richter錄音幾乎都是我的同曲目中最愛。以美東行情而言，Richter演出作品與主流鋼琴家比起來較搶手，價格也較貴。

我的Richter收藏(04/25/2003)

台北(cd)

J.S. BACH--Well Tempered Clavier 1 & 2 BWV 846-893
DG大花版、RCA、飛利浦林林總總共約十來張。


紐約(lp): 約有四十張

Bach—Well Tempered Clavier 1 & 2 BWV 846-893 (5 lps)
Richter, piano

Beethoven—Piano Concerto no.1, Sonata op.54 (1 lp)
Richter, piano; Munch cond.

Beethoven—Piano Concerto no.3 (1 lp)
Richter, piano; Sanderling cond. (ex libris)

Beethoven--Piano concerto no.3; Rondo for piano and orchestra (1 lp)
Richter,piano
Sanderling cond. (DG)

Beethoven--Triple Concerto in C (1 lp)
Richter, piano
Oistrakh,violin
Rostropovich,cello
Karajan cond.

Brahms—Sonata no.3
Franck—Sonata in A (1 lp)
Richter, piano; Oistrakh, violin

Brahms—Piano Concerto no.2 (1 lp)
Richter, piano; Maazel cond.

Chopin--Scherzo (1 lp)
Richter, piano

Dvorak--Piano Quintets in A op15 & 81 (2 lp)
Richter,piano
Borodin Quartet

Franck—Piano Quintet (1 lp)
Richter, piano; Quartet of the Bolshoi Theatre Orchestra

Grieg—Piano Concerto
Schumann—Piano Concerto (1 lp)
Richter, piano; Matacic cond.

Liszt—Sonata in B Minor, Fantasia on Hungarian Tunes, etc (1 lp)
Richter, piano; Feremcsik cond.

Mussorgsky—Pictures at an Exhibition (1 lp)
Richter, piano (winner, Grand Prix du Disque 1958)

Oistrakh and Richter in Recital
Frank--Violin Sonata in A
Brahms--Violin Sonata no.3 in D minor

Prokofiev--Sonata for Violincello and Piano op.119
with Sviatoslav Richter at Piano
Shostakovich--Sonata for Violincello and Piano op.40 (1 lp)
with the composer at piano

Prokofiev—Piano Concerto no.1
Rimsky-Korsakov—Piano Concerto
Glazounov—Piano Concerto (1 lp)
Richter, piano; Kondrashin cond.

Prokofiev—Piano Concerto no.5, Piano Sonata no.8, Visions Fugitives nos
3,6,9 (1 lp)
Richter, piano; Rowicki cond.

Rachmaninov--Etudes-Tableaux
Tchaikovsky--The Seasons (1 lp)
Richter, piano

Rachmaninov--Piano Concerto no.1 etc. (1 lp)
Richter,piano
Sanderling cond.

Rachmaninov--Piano Concerto no.2 etc. (1 lp)
Richter,piano
Wislowcki cond.

Richter—Recital—Hayden, Schumann, de Falla, Chopin, Prokofiev (1 lp)
Richter, piano (DG)

Richter--Short Pieces of Hayden, Chopin, Debussy etc. (1 lp)
Richter,piano (DG)

Richter—Recital—Chopin, Rachmaninov, Ravel, Prokofiev (1 lp)
Richter, piano

Richter—Bach, Schubert, Schumann, Rachmaninov, Prokofiev (1 lp)
Richter, piano (concert tour of Italy)

Richter,Rostropovich--The Art of Cello Sonata (1 lp)

Richter--At Royal Albert Hall (3 lPs)
Kondrashin cond. (Fonit Cetra)

Richter--The World's Greatest Piano Concertos (3 lps)
Tchaikovsky no.1, Rachmaninoff no.2, Schumann, Mozart no.20, Bach no.1
Richter, piano; Mravinsky,Gauk,Kondrashin,Sanderling cond.

Rimsky-Korsakov—Piano Concerto on a Russian Theme etc. (1 lp)
Richter, piano
Kondrashin cond.

Saint-Saens--Concerto no. 5 etc. (1 lp)
Richter, piano
Kondrashin cond.

Schubert—Piano Sonata in A Minor (1 lp)
Richter, piano

Schubert—Piano Sonata in D Major (1 lp)
Richter, piano

Schumann—Piano Concerto, Novellette, Toccata etc. (1 lp)
Richter, piano; Rowicki,Wislocki cond.

Schumann—March no.2, Forest Scenes etc. (1 lp)
Richter, piano

Tchaikovsky—Grand Sonata (1 lp)
Schumann—Humoreske
Richter, piano

Tchaikovsky--Piano Concerto no. 1
Bach--Piano Concerto no. 1 (1 lp)
Richter, piano
Ancerl cond.

Tchaikovsky—Piano Concerto no.1 (1 lp)
Richter, piano; Karajan cond.

Reich, Steve

這首曲子世界首演是在紐約Town Hall,1976年4月. 這曲子世界首度錄音應該就被ECM於1978年發行,手裡LP編號ECM-1-1129. 後來至少有三種錄音. 除了ECM外,後來Nonesuch於1997-98二十週年重新錄音就沒能那麼令人驚艷,我喜歡ECM版程度的確比Nonesuch版多了一些.

ECM (七十年代原典版忠實紀錄)

Nonesuch (音效更佳更洗鍊的演出) (由Reich Ensemble演出)

RCA (與來過台灣參加非常現代音樂節的Ensemble Modern合作) (沒聽過)

Peterson-Berger, Wilhelm

Peterson-Berger是一位深受德奧曲式風格影響的作曲家。他原先擔任詩人與樂評，大力鼓吹華格納的音樂，或許他最令人懷念的功績是把幾齣華格納樂劇翻譯為瑞典文。自己譜寫的幾首管絃樂曲語法與結構類似白遼士、李斯特，強調以充滿戲劇性的交響手法來完成，但卻只是叫好不叫座，鮮少在瑞典以外國家公開演奏。

Symphony No. 2 ("Sunnanfard")
Performed by Sveriges Radio Symphony Orchestra
Conducted by Stig Westerberg (EMI C 061-35455)

Penderecki, Krzysztof

致廣島受難人民輓歌
Threnody to the Victims of Hiroshima,for 52 strings
by Krzysztof Penderecki (1933-)

說到這次樂賞的緣由,是因為最近特別喜愛一首長僅九分鐘,卻對後世前衛音樂發展影響甚大的短曲,想與朋友分享. 發表於一九六一年,Penderecki的那首"致廣島受難人民輓歌",雖然先題獻給在原爆中傷亡的日本老百姓,實際上那種天人永隔的哀慟早在作曲家本人於納粹佔領波蘭時代就已深刻體會到了. 當年以五十二把絃樂器,大量運用切分音滑奏製造出漸進驚悚的效果,緊密地牽引著聽者的情緒,想像空間豐富,堪稱二十世紀最具代表性的弦樂作品之一. 樂曲中顯露出悲天憫人內涵也是讓小弟特地播放的主要原因,戰爭或許即將結束,但巴格達市民的苦難才要開始啊!

數年前曾到廣島,長崎旅遊過,並在長崎市紀念原爆中死難者的平和公園(Hewa Koen)與原爆資料館參觀. 當時雖然深受震撼,但卻未有刻骨銘心的感動,沒想到要到數年後在World Trade Center遺跡憑弔時才有所感. 回到平和公園裡象徵世界和平的白色巨石像,不少鴿子停留在那座和平像上,享受真正的寧靜. 廣島市讓人印象深刻的是那棟早被炸彈摧毀只剩屋頂的圓頂建築,現在的廣島是全球反核與和平活動的中心地,每年八月六日都有相關悼念活動在市內的平和紀念公園進行.

Nielsen, Carl

Nielsen年輕時因緣際會認識當時前輩作曲家蓋德(Niels Wilhelm Gade)，被他引荐下認真地開始研讀音樂理論與作曲。尼爾森的第二三四號交響曲調性詭異多變，充分表達出作曲家獨特的人生觀，分別被稱為<四重性格>、<擴張>、<不可毀滅>。他所做的六首交響曲與三大協奏曲(violin, flute, and clarinet) 現今已逐漸被列為各大樂團的標準曲目。

Symphony No. 2 "The Four Temperaments", Op.16
Aladdin Suite, Op.34
Performed by The Gothenburg Symphony Orchestra
Conducted by Myung-Whun Chung (BIS LP-247)
Symphony No. 3 "Sinfonia espansiva", Op27
Performed by The Royal Danish Symphony Orchestra
Conducted by Leonard Bernstein (Columbia MS 6769)
Symphony No. 4 "Inextinguishable", Op29
Performed by Halle Orchestra
Conducted by Sir John Barbirolli (Vanguard SRV-179)

Nakajima, Akifumi

Track Listing:

AUBE: Public/Violence
Scramble Public 22:10
Violence Call 8:42

KNURL
Triphatic Interspersal 23:20
Leukoflation 13:16

Mozart--演錄俱佳的莫札特鋼琴協奏曲

其實除了二十到二七以外，編號第九/十五/十七與雙鋼琴/三鋼琴協奏曲同樣是優秀的作品。以前聽只覺得他們共同特色是明亮、輕快，具有歌唱性。第二十一號協奏曲第二樂章尤其哀怨纏綿，婉轉動人(Geza Anda的DG錄音被選為電影Elvira Madigan配樂)。經過時間與聆聽經驗累積以後，現在更認同二三/二五/二七等所自然迸發的單純奔放，愈能夠欣賞音符中純粹的美麗。在流暢愉悅之餘還能同時保持作品結構的完美，Mozart鋼琴協奏曲果真是天才佳構!!

--
再補充一些莫札特女鋼琴家名單(括號內為唱片公司名稱):
Lili Kraus(Vanguard)/ Ingrid Haebler(Philips)/ Maria Pires(Erato)/內田光子(Philips)

Mahler--第十號交響曲

第十號的確不如前九首(+大地之歌)出色. 由於從馬勒生前著手本曲時心情不穩定,樂稿裡塗鴉修改地方很多,加上遺孀Alma曾反對未完成曲譜的出版,所以學者只能從斷簡殘編中試圖理出個頭緒. 我覺得情緒不是很完整,架構鬆散且缺乏貫穿一致的主題,其實這也是被批評狗尾續貂的主因. 但熱愛馬勒的朋友再怎麼說都會好奇想聽聽罷!

Deryck Cooke修訂稿performing version獲得不少青睞,包括Ormandy首度錄音(1966),Levine與Rattle的數位錄音等等. 我很喜歡拉圖與Bournemouth Symphony Orchestra的演出(1980),堪稱蕩氣迴腸. 拉圖後來又錄了一次,我就沒聽過了. 馬勒將"第十號"交響曲分成兩個部分五個樂章，第一部份從開始的慢板到第二樂章詼諧曲; 第二部分則由極短的樂章開始標題為"煉獄"(purgatorio),之後跟著再出現詼諧曲以及綿延無盡般的終曲.

此外還有不少音樂學者有自己的補齊版,有些市面上也曾出現,如Joe Wheeler,Clinton Carpenter,Hans Wollschlager,Remo Mazzetti等,但Cooke似乎還是最常見的錄音版本. 說第十號有沒有必要或許爭論與見解很多,許多名指揮拒絕演出灌錄本曲,認為後人根本無法也不應該揣測作曲家當時的意念. 但它的出現與時代性也是事實,個人建議先聽過前九首喜歡而且有概念後再試試第十也不遲..:)

Mahler--我聽馬勒

自從第一次購買並立即愛上Sir John Barbirolli指揮NPO的第五號後，就開始逐漸收集馬勒交響曲的錄音作品。已經超過十年了，從高中到研究所，從卡帶、雷射唱片到三十三又二分之一轉的黑膠唱片。雖然稱不上考古版本收藏狂，每回逛唱片行時總還會瞄一下Mahler那一櫃看有什麼新的東西出現，想慢慢地把名家的詮釋都聽過。曾經喜歡聲勢最浩大的第八號<千人>，現在則慢慢陳浸於第六號<悲劇>及原先題稱為第九號的大地之歌。到近幾年則首次接觸到未完成的第十號交響曲，由音樂學者Deryck Cooke所補齊的performing version。

馬勒大抵上是很入世的作曲家，終年為了事業家庭及自己健康操心。他所譜寫的交響樂並不在歌誦神跡或超自然力量，而是不斷地在捫心自問、無止盡地探索死亡與來世的課題。以前少年不識愁滋味，喜歡在四下無人時大聲放來聽常搞到自己到不可自拔。現在由於年齡漸長歷練較多，情緒懂得如何收放，有時純粹以音樂觀點切入也很不錯。很多人都說二十世紀是馬勒交響曲的世紀，姑且不要管他的音樂是否恰好撫慰庸俗忙碌戰後嬰兒潮世代或二十世紀充滿不安靈魂等等，讓我們先好好坐下來純粹欣賞那大編制的管絃聲響所帶給我們的感動與衝擊。

最近注意到Sir Simon Rattle指揮柏林愛樂最新馬勒第五號，據說是拉圖爵士到任音樂總監第一場音樂會的實況錄音。無奈東岸雷射唱片實在太貴，希望回台時有機會可以買來聽聽。野人獻曝一下，以下是我所擁有的馬勒交響曲與連篇歌曲作品，趁機當作是一項小整理順便短短介紹一下心得。歡迎樂迷們討論，資料若有誤也請不吝指教。

Symphony No. 1 1899 version (巨人)
這是一首描述馬勒故鄉波西米亞田園風情與喜悅的音樂，特別容易入門。曲中有兩個樂章挪用了他自己譜寫初期連篇歌曲集”少年旅人之歌”部分旋律。
·Vienna Symphony Orchestra/Jascha Horenstein 1953 (lp)
·Philharmonic Symphony Orchestra of New York/Bruno Walter 1955 (lp)
·New York Philharmonic/Dimitri Mitropolous 1955 (lp)
·Bavarian Radio Symphony Orchestra /Rafael Kubelik 1968 (lp+cd)

Symphony No. 2 (復活)
講述死亡過程與世界末日後的復活。五個樂章超過七十分鐘，氣勢澎湃。第四樂章取材自Klopstock的詩詞”原光”，由女高音獨唱相當具有韻味。
·New York Philharmonic/Walter 1958 (lp)
·Philharmonic orchestra/Otto Klemperer 1963 (cd)
·Philadelphia Orchestra/Eugene Ormandy 1970 (lp)
·Chicago Symphony Orchestra/Claudio Abbado 1977 (lp)

Symphony No. 3
有史以來最長的管絃作品之一，副標題”一個夏日中午的夢”，樂章間也各都有標題。與第四號都是屬於調性明亮的作品。
·Vienna Philharmonic Orchestra/F. Charles Adler 1951 (lp)
·London Symphony Orchestra//Horenstein 1970 (lp)
·New York Philharmonic/ Leonard Bernstein 1961 (cd)
·London Philharmonic Orchestra/ Klaus Tennstedt 1980 (lp)

Symphony No. 4
馬勒交響曲中出乎意料外的長度最短、編制最小的一首，與第一號同樣使用部分少年旅人之歌”中的素材。旋律輕巧動聽。
·New York Philharmonic/Walter 1947 (cd)
·Concertgebouw Orchestra of Amsterdam/Edward Van Beinum 1950s (lp)
·Cleveland Orchestra/George Szell 1966 (lp)
·Israel Philharmonic Orchestra/Zubin Metha 1979 (lp)

Symphony No. 5
最有名的曲目之一，實際上相當不容易被了解。五樂章間對比強烈，震撼性極大。稍緩版樂章即為前文所提魂斷威尼斯的配樂。
·New York Philharmonic/Walter 1947 (lp)
·New York Philharmonic/Mitropolous 1959 (lp)
·Bavarian Radio Symphony Orchestra /Rafael Kubelik 1968 (lp)
·New Philharmonic Orchestra/John Barbirolli 1969 (lp+cd)

Symphony No. 6 (悲劇)
個人最愛的荒島曲目，可說是最具有馬勒自傳性風格的交響曲，具有濃厚戲劇性。描述在層層陰影底下和命運進行無情地抗爭，最後卻完全屈服於死亡，沉溺於無窮盡的黑暗裡。沉重的終樂章裡有三響象徵死亡的槌擊。
·New York Philharmonic/Mitropoulos 1955 (lp)
·Stockholm Philharmonic Orchestra/Horenstein 1966 (lp)
·New York Philharmonic/Bernstein 1967 (lp)
·New Philharmonic Orchestra/Barbirolli 1968 (lp)
·Chicago Symphony Orchestra/Sir Georg Solti 1970s (cd)

Symphony No. 7 (夜之歌)
知名度不高、旋律性不強，好似數個鬆散樂章的集合，若以純音樂來看會比較有趣。第五六七號都為純粹器樂式的交響曲。
·Vienna Symphony Orchestra/Hermann Scherchen 1950 (cd)
·Bavarian Radio Symphony Orchestra/Kubelik 1971 (lp)

Symphony No. 8 (千人)
馬勒自己曾在書信中形容此曲:”如同宇宙震動鳴響般，這已不是來自人世間，而是行星或太陽運轉的聲音”，頗能推測出此曲應有的氣勢壯闊。第一部為”來吧，偉大的造物者”，第二部則為採自歌德名著”浮士德的終幕”。
·Vienna Festival orchestra/Mitropoulos 1960 (lp)
·London Symphony Orchestra/Bernstein 1966 (lp)
·Concertgebouw Orchestra, Amsterdam/Bernard Haitink 1970s (lp)
·Chicago Symphony Orchestra/Solti 1972 (cd)
·London Philharmonic Orchestra/Tennstedt 1987 (lp)

Das Lied von der Erde (The Song of the Earth;大地之歌)
原題為第九號，由於馬勒個人因素改為根據德國詩人Bethge所譯詩集”中國笛子”裡數首李白、錢起、孟浩然等詩作譜寫成的曲子，但內容已與原詩意境相去甚遠。結尾女低音詠唱令人回味無窮。
·Vienna Philharmonic Orchestra/Walter 1952 (lp+cd)
·Chicago Symphony Orchestra/Fritz Reiner 1960 (lp)
·New York Philharmonic/Walter 1960 (lp)
·Vienna Symphony Orchestra/Klemperer 1961 (lp)
·Vienna Philharmonic orchestra/Bernstein 1966 (cd)

Symphony No. 9
全曲在結構上恢復為傳統四個樂章，內容型態則與第六相近。但在死亡意涵的闡述上則見到作曲家從容知天命的氣度，在寧靜安祥下結束全曲。為作曲家最後一首長篇完整作品。
·Vienna Philharmonic Orchestra/Walter 1938 (lp)
·Berlin Philharmonic Orchestra/Barbirolli 1963 (cd)
·New York Philharmonic/Bernstein 1960s (lp)
·Czech Philharmonic Orchestra/Karel Ancerl 1966 (lp)
·London Philharmonic Orchestra/Tennstedt 1980 (lp)

Symphony No. 10 (adagio)
馬勒的天鵝之歌。
·Czech Philharmonic Orchestra/Ancerl 1966 (lp)
·London Symphony Orchestra/Pierre Boulez 1970 (lp)
Symphony No. 10 (Revised performing version by Deryck Cooke)
由音樂史學者Cooke依據馬勒死後斷簡殘篇中推測補齊的第十號。雖然樂思與意念不甚豐富，但在樂章間風格頗得前九首的真傳。
·Philadelphia Orchestra/Ormandy 1966 (lp)
·Philadelphia Orchestra/James Levine 1981 (lp)

Das Klagende Lied (悲傷之歌)
·London Symphony Orchestra/Boulez 1970 (lp)

Des Knaben Wunderhorn (少年魔法號角之歌)
·London Symphony Orchestra/Szell 1968 (lp)
·London Philharmonic Orchestra/Tennstedt 1986 (cd)

Lieder eines fahrenden Gesellen (少年旅人之歌)
·Philharmonic Orchestra/Sir Adrian Boult 1958 (lp)

Ruckert Lieder (呂克特詩集)
·Vienna Philharmonic Orchestra/Walter 1952 (lp)
·New Philharmonic Orchestra/Barbirolli 1969 (lp)

Kindertotenlieder (弔念亡兒之歌)
·Vienna Philharmonic Orchestra/Walter 1949 (lp)
·Bamberg Symphony Orchestra/Horenstein 1954 (lp)
·Philharmonic Orchestra/Andre Vandermoot 1958 (lp)









My entire Mahler symphony vinyl collections
(as of August 2003)

Sym no.1 X 8
1952--Jasha HORENSTEIN--Wiener Symphoniker
1954--Bruno WALTER--New York Philharmonic
1960--Dimitri MITROPOULOS--New York Philharmonic (live)
1966--Leonard BERNSTEIN--New York Philharmonic
1967--Rafael KUBELIK--Symphonie Orchester des Bayerischen Rundfunks
1970--Wyn MORRIS--New Philharmonia Orchestra (Hamburg Version)
1977--Klaus TENNSTEDT--London Philharmonic Orchestra
1981--Claudio ABBADO--Chicago Symphony Orchestra

Sym no.2 X 10
1958--Bruno WALTER--CUNDARI,FORRESTER,Westminster Choir--New York Philharmonic
1958--Hermann SCHERCHEN--COERTSE,WEST--Wiener Staatsopernorchester
1963--Leonard BERNSTEIN--VENORA,TOUREL--New York Philharmonic
1969--Rafael KUBELIK--MATHIS,PROCTER--Symphonie-Orchester Bayerischen Rundfunks
1970--Eugene ORMANDY--MANDAC,FINNILA--Philadelphia Orchestra
1973--Leonard BERNSTEIN--ARMSTRONG,BAKER--London Symphony Orchestra
1976--Claudio ABBADO--HORNE,NEBLETT--Chicago Symphony Orchestra
1980--Sir Georg SOLTI--BUCHANAN,ZAKAI--Chicago Symphony Orchestra
1982--Leonard SLATKIN--BATTLE,FORRESTER--Saint-Louis Symphony Orchestra
1987--Gilbert KAPLAN--VALENTE,FORRESTER--London Symphony Orchestra

Sym no.3 X 7
1951--Charles ADLER--ROSSL-MAJDAN--Wiener Symphoniker
1961--Leonard BERNSTEIN--LIPTON--New York Philharmonic
1967--Rafael KUBELIK--THOMAS--Symphonie-Orchester des Bayerischen Rundfunks
1968--Sir Georg SOLTI--WATTS--London Symphony Orchestra
1970--Jasha HORENSTEIN--PROCTER--London Symphony Orchestra
1979--Klaus TENNSTEDT--WENKEL--London Philharmonic Orchestra
1981--Vaclav NEUMANN--LUDWIG--Ceska Filharmonie

Sym no.4 X 6
1952--Eduard van BEINUM--RITCHIE--Koninklijk Concertgebouworkest,Amsterdam
1957--Paul KLETZKI--LOOSE--Philharmonia Orchestra
1960--Leonard BERNSTEIN--GRIEST--New York Philharmonic
1961--Otto KLEMPERER--SCHWARZKOPF--Philharmonia Orchestra
1965--George SZELL--RASKIN--Cleveland Orchestra
1979--Zubin MEHTA--HENDRICKS--Israel Philharmonic Orchestra

Sym no.5 X 9
1947--Bruno WALTER--New York Philharmonic
1960--Dimitri MITROPOULOS--New York Philharmonic (live)
1963--Leonard BERNSTEIN--New York Philharmonic
1969--Sir John BARBIROLLI--New Philharmonia Orchestra
1971--Rafael KUBELIK--Symphonie Orchester des Bayerischen Rundfunks
1973--Herbert von KARAJAN--Berliner Philharmoniker
1977--Vaclav NEUMANN--Ceska Filharmonie
1977--James LEVINE--Philadelphia Orchestra
1978--Klaus TENNSTEDT--London Philharmonic Orchestra

Sym no.6 X 9
1955--Dimitri MITROPOULOS--New York Philharmonic (live)
1955--Eduard FLIPSE--Rotterdams Philharmonisch Orkest
1966--Jasha HORENSTEIN--Kungliga Filharmoniska Orkestern,Stockholm
1967--Leonard BERNSTEIN--New York Philharmonic
1967--Sir John BARBIROLLI--New Philharmonia Orchestra
1967--George SZELL--Cleveland Orchestra
1969--Bernard HAITINK--Koninklijk Concertgebouworkest, Amsterdam
1977--Herbert von KARAJAN--Berliner Philharmoniker
1983--Klaus TENNSTEDT--London Philharmonic Orchestra

Sym no.7 X 6
1965--Leonard BERNSTEIN--New York Philharmonic
1968--Otto KLEMPERER--New Philharmonia Orchestra
1970--Rafael KUBELIK--Symphonie-Orchester des Bayerischen Rundfunks
1980--Klaus TENNSTEDT--London Philharmonic Orchestra
1980--James LEVINE--Chicago Symphony Orchestra
1982--Bernard HAITINK--Koninklijk Concertgebouworkest, Amsterdam

Sym no.8 X 9
1960--Dimitri MITROPOULOS--COERTSE,ZADEK,WEST,MALANIUK,ZAMPIERI,PREY,EDELMANN
--Wiener Philharmoniker
1963--Maurice ABRAVANEL--GRADER,OWEN,CHISTENSEN,WILLIAMS,KLEINMAN,CLATWORTHY
--Utah Symphony Orchestra
1966--Leonard BERNSTEIN--SPOORENBERG,JONES,ANNEAR,REYNOLDS,PROCTER,INTYRE
--London Symphony Orchestra
1970--Rafael KUBELIK--ARROYO,SPOORENBERG,MATHIS,HAMARI,PROCTER,FISCHER-DIESKAU
--Symphonie-Orchester des Bayerischen Rundfunks
1971--Sir Georg SOLTI--HARPER,POPP,AUGER,MINTON,WATTS,KOLLO,TALVELA
--Chicago Symphony Orchestra
1971--Bernard HAITINK--COTRUBAS,HARPER,NORK,FINNILA,DIELEMAN,COCHRAN,PREY
--Koninklijk Concertgebouworkest,Amsterdam
1972--Wyn MORRIS--BAKER,SIMON,BURROWES,BLACKHAM,HODGSON,MITCHINSON,MYER
--Symphonica of London
1980--Seiji OZAWA--ROBINSON,BLEGEN,SASSON,QUIVAR,MYERS,RIEGEL,LUXON,HOWEL
--Boston Symphony Orchestra
1986--Klaus TENNSTEDT--CONNEL,WIENS,LOTT,SCHMIDT,DENIZE,VERSALLE,HYNNINEN,SOTIN
--London Philharmonic Orchestra

Das Lied von der Erde X 12
1951--Otto KLEMPERER--CAVELTI,DERMOTA--Wiener Symphoniker (live)
1952--Bruno WALTER--FERRIER,PATZAK--Wiener Philharmoniker
1956--Eduard van BEINUM--MERRIMAN,HAEFLIGER--Concertgebouworkest,Amsterdam
1958--Hans ROSBAUD--HOFFMAN,MELCHERT--Sudwestdeutschenrundfunk Orchester
1959--Paul KLETZKI--FISCHER-DIESKAU,DICKIE--Philharmonia Orchestra
1959--Fritz REINER--FORRESTER,LEWIS--Chicago Symphony Orchestra
1960--Bruno WALTER--MILLER,HAEFLIGER--New York Philharmonic
1966--Otto KLEMPERER--LUDWIG,WUNDERLICH--New Philharmonia Orchestra
1966--Eugene ORMANDY--CHOOKASIAN,LEWIS--Philadelphia Orchestra
1974--Alexander GIBSON--HODGSON,MITCHINSON-Scottish National Orchestra
1975--Bernard HAITINK--BAKER,KING--Koninklijk Concertgebouworkest, Amsterdam
1981--Colin DAVIS--NORMAN,VICKERS--London Symphony Orchestra

Sym no.9 X 9
1938--Bruno WALTER--Wiener Philharmoniker (live)
1961--Bruno WALTER--Columbia Symphony Orchestra
1964--Sir John BARBIROLLI--Berliner Philharmoniker
1965--Leonard BERNSTEIN--New York Philharmonic
1966--Karel ANCERL--Ceska Filharmonie
1967--Otto KLEMPERER--New Philharmonia Orchestra
1976--Carlo Maria GIULINI--Chicago Symphony Orchestra
1979--Klaus TENNSTEDT--London Philharmonic Orchestra
1982--Sir Georg SOLTI--Chicago Symphony Orchestra

Sym no.10 (performing version) X 4
1965--Eugene ORMANDY--Philadelphia Orchestra (COOKE I)
1980--James LEVINE--Philadelphia Orchestra (COOKE II)
1972--Wyn MORRIS--New Philharmonia Orchestra (COOKE II)
1980--Simon RATTLE--Bournemouth Symphony Orchestra (COOKE II)

--
Complete Mahler Symphonies Discography