Gordon, Dexter

Dexter Gordon (1923-1990)

午夜時分、暗藍色的記憶、漫步酒吧間的煙灰、冬日的煦陽、Gordon與我……

第一次聽說這個名字是因為曾得到1986年奧斯卡最佳配樂的電影"Round Midnight"(午夜時分)。這部由Herbie Hancock製作的原聲帶當年擊敗了由Ennio Morricone擔綱的"The Mission"(教會)。究竟什麼音樂比教會中蕩氣迴腸的中南美洲打擊樂與古典融合的交響史詩還能得到評審青睞呢? 我很好奇。

有一天因緣際會終於看到了，也正式揭開我與爵士樂的初戀。影片中那位無法控制自己的老爵士樂手Dexter Gordon出生於1923年的洛杉磯，那時是Duke Ellington引領風騷的樂團時代。他自小收集Ben Webster、Lester Young、Count Basie等前輩的唱片，並以將來成為一位偉大的中音薩克斯風手自許。Gordon高中畢業後加入Lionel Hampton樂隊，當時六呎三吋高的俊美身形、寬邊絨尼帽、不加修飾的外表，他獨奏時醇厚漂亮的音符彷彿在空氣中懸盪，配合天才迸發的即興演奏，立刻成為紐約52街街坊的偶像。

在Be Bop小喇叭巨匠Dizzy Gillespie的熱情邀約下，Gordon於1945年加入Savoy，開始與不同爵士樂藝人合作，把薩克斯風當成身體的一部份，創造屬於自己的音樂。讀者可以聽聽他在四十年代Savoy的古老錄音中，Gordon所散發那只有他才有的氣質。五十年代是Hard Bop風格的萌芽與起飛期，但Gordon卻無法把握這機會，他曾演過一部不紅的好萊塢電影，後來因傷害及藥物問題入獄。Gordon沉寂了好一陣子。

六十年代Gordon在Blue Note重新復出，並再度搬到紐約實現他的音樂理想。New York似乎是真正適合他的地方，他在Blue Note所發行的一連串專輯，從1961年的Doin' Allright開始，歷經Dexter Calling、Go!、Our Man in Paris到1964年的One Flight Up等專輯都是Hard Bop最經典的作品。Hard Bop(硬式咆勃)是在五十年代中期開始蓬勃發展，主要用來形容當時源自咆勃但在結構上來說更為嚴謹，且融入紐奧良藍調、靈魂樂、福音歌曲等黑人音樂元素的音樂型態。Gordon在這幾張經典裡的演奏總是火熱之餘兼具流暢俐落，充滿濃厚藍調味的風格。1962年間他又短暫搬去歐洲尋找音樂靈感與刺激，在歐陸自由的土地流放自己，獲取從前沒有的鬆弛，並在SteepleChase灌錄一系列受到廣泛喝采的專輯。

十五年後的1976年，五十四歲的Gordon終於又回到美國定居，得到了從未有過的聲譽。隨後在Columbia簽約繼續錄音，八十年代的Gordon雖然音樂品質與熱力不及以往，但身為活傳奇的地位已經確立。1986年的電影"Round Midnight"似乎就是Gordon量身定作的。它以Bud Powell與Lester Young的生平為參考對象，內容敘述一位想要自我突破的美國知名樂手流放法國，試圖重新拾回自己對音樂的熱情。Gordon所飾演的主角在異鄉尋求生計的過程中與中年男子與其小孩相遇，在他們的熱忱招待幫助爵士樂手主角逐漸拋去過往壓力，進而重新省視自己生命的故事。

美國會推薦獎、國家藝術基金會的終身成就獎、華盛頓特區的Dexter Gordon日等加冕似乎為他的後半生寫下不朽的篇章。其實這些也不過為它音樂成就上錦上添花罷了，我們樂迷會永遠記得他演奏的音符裡瀰漫的一股煙稍味，那是一股甜美淒清、濕潤而冷調的煙味，也是無論您抽多少種煙都感受不來的口味。

Dexter Gordon去世於1990年。


Round Midnight原聲帶卡司：

Dexter Gordon – Tenor
Herbie Hancock – Piano
Chet Baker - Trumpet & Vocal
Ron Carter, Pierre Michelot – Bass
Billy Higgins, Tony Williams – Drums
Freddie Hubbard – trumpet
Bobby Hutcherson – Vibes
Bobbie McFerrin - Vocals
Lonette McKee – Vocal
Wayne Shorter – Tenor and Soprano
Cedar Walton – Piano


Round Midnight工作人員表：

導演 -- Bertrand Tavernier
演員 -- Dexter Gordon(Dale Turner)
Francois Cluzet(Francis Borler)
Gabrielle Haker(Berangere)
Sandra Reaves-Phillips(Buttercup)
Lonette McKee(Darcey Leigh)
Christine Pascal(Sylvie)
Herbie Hancock(Eddie Wayne)
Bobby Hutcherson(Ace)
編劇 -- David Rayfiel / Bertrand Tavernier
製片 -- Irwin Winkler
攝影 -- Bruno de Keyzer
剪接 -- Armand Psenny
音樂製作 -- Herbie Hancock

Memo -- Italian & French Jazz

Italian Jazz -- Stefano Battaglia、Stefano Di Battista、Stefano Bollani、Flavio Boltro、Franco D'Andrea、Antonio Faraò、Paolo Fresu、Giorgio Gaslini、Roberto Gatto、Guido Mazzon、Pino Minafra、Giovanni Mirabassi、Enrico Pieranunzi、Enrico Rava、Danilo Rea、Aldo Romano、Mario Schiano、Giovanni Tommaso、Gianluigi Trovesi、Massimo Urbani

French Jazz -- Claude Barthélémy、Richard Galliano、Stéphane Grappelli、Daniel Humair、Bireli Lagrene、Michel Legrand、Didier Lockwood、Eddy Louiss、Bernard Lubat、Pierre Michelot、Christophe Monniot、Michel Petrucciani、Jean-Michel Pilc、Michel Portal、Django Reinhardt、Louis Sclavis、Martial Solal、Henri Texier、René Urtreger、Barney Wilen


底下是在聽且推薦的歐陸爵士樂廠牌:

Label Bleu

Soul Note / Black Saint

Enja Records

FMP

Hat Hut Records

Dreyfus Records

Red Records

Sketch Records

Egea Records

CAM Jazz

CC Production

Owl Records

Jazz in Paris


EUROPE-ITS ROLE IN JAZZ
By David Liebman

Holland, Dave

自六十年代至今，Dave Holland始終活躍在歐洲與美國的爵士樂壇中，其樂風豐富多采，橫跨於前衛、自由爵士、傳統搖擺樂及Bop等。這幾年來Holland在西方爵士樂的耕耘終於開花結果，各大爵士獎項如最佳低音貝斯手或年度最佳爵士樂手的頭銜接踵而來。令人敬佩的是Holland對於創作與技藝的琢磨從未中斷，仍實驗著不同音樂表現手法帶給樂迷新視野。

少年時期的Holland於十五歲就決定努力謀生作為一位音樂家。受到Ray Brown及前輩貝斯手的影響，Holland透過唱片來學習技巧。不久後就開始專職演奏貝斯，隨後Holland與倫敦愛樂的大提琴首席James E. Merritt學習，並受引薦接受正規的音樂訓練。這段期間內Holland不斷地在倫敦的各大pub演出以磨練彈奏技巧。六十年代中期起，Holland開始與英國頂尖的爵士樂手如Kenny Wheeler、John Surman、Evan Parker、Kenny Wheeler、John Taylor等合作，由於可演奏曲風範圍寬廣可塑性高，短時間內在爵士圈中已小有名氣。

1968年是Holland人生的轉捩點。某一晚他在Ronnie Scott的pub裡彈奏時被Miles Davis邀請加入自己的新樂團，在一連串的摸索與實驗後與團員錄製被後世公認奠立Fusion招牌的里程碑 -- In The Silent Way和Bitch Brew專輯，Dave Holland的名聲才算真正跨越至美洲大陸。挾著自身演奏技巧與觀念的優勢，Holland於七十年代開始大膽嘗試不同的爵士領域，1970-71年間與Chick Corea、Anthony Braxton、Barry Altschul合組臨時的前衛爵士團體Circle並在ECM發行Paris Concert。這張雙專輯音樂豐富扎實，飽含層次豐富的即興處理，展現出五位現代爵士樂巨匠對於各種型態品種的理解，並於相互激盪的過程裡將新概念及技法以爵士樂的形式反芻再呈現。

八十年代開始，Holland把關心焦點放在實驗演奏組合的多樣性與作育英才上。八十年代初期Holland與Kenny Wheeler、 Julian Priester、Steve Coleman、Steve Ellington等樂手合組五重奏，於ECM發行數張專輯並持續地巡迴演出。九十年代末期還持續與Herbie Hancock、Jim Hall、Jack DeJohnette與Joe Lovano等樂手合作 ，並與Robin Eubanks、Steve Nelson、Chris Potter、Billy Kilson等中生代新秀組成四重奏。近年還以原有五重奏為核心擴大編制組成十三位樂手所組合而成的大型爵士樂隊，樂風多變且維持著靈活彈性，對樂迷來說更是全新的體驗。

作為承繼Scott LaFaro、Charles Mingus、Gary Peacock等前輩貝斯手於演奏技巧與手法的革新者，Holland所演奏長段落的即興演奏沈穩而遊刃有餘，成功地開發出更多屬於低音貝斯的一家之言；而作為作曲家及樂隊領導人的Holland則致力於融合各種不同元素之餘掌控樂曲結構，由Holland扮演觸煤的角色帶領團員互動，測試集體即興演奏的極限，深探爵士樂的無限可能。俗話說好酒沉甕底，在爵士樂上則可說是Holland近年來成就的寫照。

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專輯列表

1971 Music from Two Basses
1972 Conference of the Birds
1976 Dave Holland, Vol. 1 Improvising Artists
1976 Dave Holland, Vol. 2 Improvising Artists
1977 Emerald Tears
1982 Life Cycle
1983 Jumpin' In
1984 Seeds of Time
1987 The Razor's Edge
1988 Triplicate
1989 Extensions
1993 Ones All Intuition
1995 Dream of the Elders
1998 Points of View
2000 Prime Directive
2001 Not for Nothin'
2002 What Goes Around
2003 Extended Play: Live at Birdland
2005 Overtime

Ellis, Don

小喇叭手兼前衛爵士樂隊領導人Don Ellis受過良好音樂訓練，剛出道曾參與Charles Mingus、George Russell六重奏、Eric Dolphy等藝人演出，於演出機會裡潛心研究爵士樂及其編曲技巧。1960-62年間Ellis組成自己的四重奏替Candid等公司灌錄唱片，樂風開始融合Bop、自由爵士及古典音樂；1965年起成立The Don Ellis Orchestra並在曲風中加入許多來自拉丁及亞洲或非洲音樂的風格，這個樂隊時常巡迴美國西岸演出，同時也參加蒙特婁音樂節、新港音樂節等大型爵士音樂會。

Ellis的這組大樂隊以他們的不尋常的大型演奏編制(早年有多達3 名貝斯手與3 名鼓手) 聞名。Ellis喜歡於演出時實驗參雜怪拍子(包括7/8、9/8甚至15/16)的長篇幅作品，除加入搖滾樂的元素外偶爾顯露古怪的幽默感及電子樂器的使用。Ellis將音樂元素加以拼湊、重組後，奏出的樂曲游移於完全瘋狂與工整結構之間，所以幾張於蒙特婁音樂節、Fillmore等的現場實況都變成經典作品。Ellis大樂隊的作品對於聽慣正常爵士big band的朋友可能會覺得詭異並不耐聽，其實他們音樂色彩豐富、編曲展現出創新及自由的氣息，值得喜歡接受挑戰的前衛音樂樂迷。

專輯列表

How Time Passes 1960
Out of Nowhere 1961
New Ideas 1961
Essence 1962
Live at Monterey 1966
Live in 32/3/4 Time 1966
Electric Bath 1967
Shock Treatment 1968
Autumn 1968
The New Don Ellis Band Goes Underground 1969
Don Ellis at Fillmore 1970
Tears of Joy 1971
Connection 1972
Soaring 1973
Haiku 1973
Music From Other Galaxies and Planets 1977
Live at Montreux 1977



推薦專輯

1966 Live at Monterey

1967 Electric Bath

1970 Don Ellis at Fillmore[live]

Le Querrec / Romano / Sclavis / Texier

自上個世紀Django Reinhardt / Stéphane Grappelli熱力共演的Quintette du Hot Club de France黃金時期以來，巴黎就被認為是歐洲爵士樂中心，扮演著許多歐陸優秀樂手的搖籃。七八十年來，法國爵士樂都有令人興奮的聲音出現如René Urtreger 、Barney Wilen 、Michel Portal 、 Daniel Humair、Michel Petrucciani等大師傳遞著爵士樂振衰起蔽的香火。

Carnet de Routes是鼓手Aldo Romano、多管樂手Louis Sclavis、貝斯手Henri Texier與使用萊卡相機紀錄攝影家Guy Le Querrec一行人所組成團隊的西非和東非音樂記行，也是法國爵士樂發展的顛峰。Trio Romano-Sclavis-Texier等人在歐陸爵士樂壇都是成名已久的樂手，齊心成就這個追本溯源而又另闢新境的計劃。他們分別於1990與1993年前往中非(喀麥隆、剛果、赤道幾內亞)及西非(布吉那法索、奈及利亞、塞內加爾)等地親自與當地民眾們貼近，去感受去記錄多種多樣的民俗與風土人情，探索Afro-Cuban節奏爵士樂源頭，透過交流豐富自己的音樂視野。除了遊歷以外，三人還自備樂器與簡單音響裝備因地制宜即興演出。在異地互動的過程裡廣泛地汲取靈感與新素材，也讓當地人民感受到截然不同音樂體驗。

在法國新派爵士樂旗手Label Bleu資助下，Romano / Sclavis / Texier發行兩張高品質製作的三重奏專輯 -- Le Querrec: Carnet de Routes (1997) 與Suite Africaine: Carnet de Routes (2000)紀錄於非洲大陸的音樂旅行並獲得廣大迴響。專輯中平均地分配三人創作，樂曲中生動地捕捉非洲民俗音樂的特色卻又不失即興創作的趣味。整張專輯充滿著飽滿的音樂張力，融合古典音樂的嚴謹及簡潔的旋律，更進一步探索傳統爵士樂創新與包容的可能性。值得一提的是音樂有著極佳的錄音與精準音場定位，充分表現出音樂的深度與廣度。Guy Le Querrec與Romano / Sclavis / Texier的合作系列堪稱是爵士樂融合攝影與藝術等創意的珠玉，成軍以來的兩張錄音室作品是個人近年來所聽到最愛不釋手的三重奏與概念專輯，精心設計的包裝附有許多精采的旅行圖片增加收藏價值。強力推薦!!!

1. Hauts Plateaux (Sclavis) 4:40
2. Bois Croisés (Romano, Sclavis, Texier) 2:01
3. Soweto Sorrow (Romano) 4:02
4. Ggaba (Texier) 4:10
5. Windhoek Suite (Sclavis) 7:51
6. Pingouin (Sclavis) 1:53
7. Guy Danse (Romano) 3:53
8. Water Buffalo (Texier) 5:28
9. Sur Le Lac (Sclavis) 6:02
10. Impala (Romano) 1:49
11. P`tit Mõme (Romano, Sclavis, Texier) 2:00
12. Soul Is Free (Romano) 5:17
13. Girafe (Texier) 1:58
14. Ombrelles (Romano, Sclavis, Texier) 1:45
15. Bob De Klipton (Texier) 5:46

1 Standing Ovation (Romano) 4:26
2 Vol (Sclavis) 6:02
3 Daoulagad (Texier) 6:21
4 Bororo Dance (Romano) 6:46
5 Annobon (Romano) 5:02
6 Les Petits Lits Blancs (Sclavis) 6:55
7 Flash Mémoire (Sclavis) 3:25
8 Korokoro (Texier) 5:17
9 Entrave (Texier) 3:29

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註:
1. 文中唱片都是在新天新地買的. 這間唱片行是我自美回國後的一大發現,專門代理歐陸爵士樂廠牌(Label Bleu / EGEA / Sketch / CC Production)及死硬派前衛爵士唱片(FMP / Hat Hut),還有大批獨立古典音樂及歷史錄音. 老闆林先生(imp)在以前bbs網路古典音樂板就是個奇人物,是個很有趣很有自己想法的樂迷. 這間有種的小店值得我們去大力捧場.
2. 參考文章: Ten Years of jazz in France

Lateef, Yusef

Yusef Lateef的本名是Bill Evans (爵士樂史上已經有兩位以上樂手叫這個名字了)，事實上Lateef於五十年代信奉伊斯蘭教之後，便開始始用自己的伊斯蘭教徒的名字闖蕩樂壇。他是一位擅長多管的高手，可演奏樂器除了長笛、巴松管、單簧管、雙簧管與薩克斯風之外，還會竹笛與嗩吶等一般人不熟悉的樂器。由於他的興趣與宗教信仰使然，Lateef勤於向亞洲及中東地區的音樂取經，使他的音樂除了爵士樂的搖擺元素以外還帶有濃郁的世界音樂與民俗音樂色彩。

Yusef Lateef成長於底特律，17歲時開始學吹次中音薩克斯風，1946年起加入Lucky Millinder、Roy Eldridge、Dizzy Gillespie的大樂隊。經歷一連串的磨練後，1955年開始以主角的身分為當時的Savoy唱片公司錄製專輯。1959年到紐約市發展時已經是以多管樂器聞名的樂手。1960年與貝斯手Charles Mingus及小號手Donald Byrd等合作演出，1962-64年是Cannonball Adderley六重奏中重要的一員。1963-66年間，Lateef替當時鼓吹新爵士號角的Impulse唱片公司錄製了數張專輯，張張被認為是融合世界音樂與爵士樂的經典作品。

Lateef音樂仍以Hard Bop為主要音樂基調，加入大量的亞洲及中東傳統音樂作為素材，從專輯裡可以聽到許多東方回教音樂元素。他不斷創新改變的創作態度之外，仍為音樂中注入流暢動聽的旋律，這種他所致力於的"Other Sounds"相當引人入勝。他同時也是音樂廠牌YAL的創辦人，以向聽眾引介原創性高的世界音樂為職志。

推薦專輯 (也是在台灣比較好找的)

1960 The Three Faces of Yusef Lateef

1961 Eastern Sounds

1966 The Golden Flute

Lacy, Steve

Steve Lacy (1934-2004)

Steve Lacy是現代爵士樂中的代表人物之一，也可說是自Sidney Bechet及John Coltrane以來最重要的高音薩克斯風樂手。五十年代初期他加入紐約當地的Dixieland樂團磨練技術與經驗，1955-57年間與前衛爵士鋼琴鬼才Cecil Taylor演出，1958年再與另一位具前衛概念的樂團領導者Gil Evans合作，1960年並短暫加入Thelonious Monk五重奏切磋技藝並授其影響。六十年代之後Lacy開始自立門戶並與長號手Roswell Rudd及義大利小喇叭手Enrico Rava於各地演出，以他作曲\編曲的實驗精神與勇於嘗試樂器表現的各種可能性造就了他在爵士樂史上的地位。

1961-64年間Lacy與Roswell Rudd開始攜手巡迴演奏Monk的作品，可說是Monk的tribute組合中最具創意的組合，不過四十餘年來他們只有在Emanem發行過唱片(Hat Art已重發)。1999年Lacy與Rudd再續前緣，再度舉行巡迴演出及於法國巴黎灌錄唱片"Monk's Dream"，並邀集老搭檔Jacques Avenel及John Betsch加盟演出。他們在專輯中只玩了兩首Monk的作品及翻奏Duke Ellington的名曲Koko，其餘Lacy的原創曲目也蘊涵了Monk這位Bebop宗師的哲思與深沉風格。Lacy與Rudd天衣無縫般的合作及默契令人讚嘆，專輯當中兩首原創曲目還有前衛女大提琴/小提琴家Irene Aebi(Lacy的太太)獨特的詠唱助陣。

Steve Lacy受Thelonious Monk影響很大，曾錄製數張以重新詮釋Monk不常見且較繁複且少見的曲目，讓樂迷得以其他角度欣賞Monk的經典。除了向Monk致敬以外，Lacy自己的音樂悠遊於Hard Bop、Post Bop、Avant-Garde或Free Jazz等多元化的風格，專輯作品散見於Prestige、Candid 、Hat Art、Black Saint/Soul Note甚至FMP等廠牌。

Tracks
1 Monk's Dream (Monk) 7:37
2 The Bath (Lacy) 11:42
3 The Rent (Lacy) 10:46
4 Pannonica (Monk) 9:26
5 A Bright Pearl (Lacy) 5:56
6 Traces (Lacy) 8:03
7 Ko Ko (Ellington) 5:11
8 Grey Blue (Lacy) 10:07
9 The Door (Lacy) 7:08

Mahavishnu Orchestra & Shakti (John McLaughlin)

英國吉他手兼作曲家John Mclaughlin出生於1942年。從小自學吉他，深受藍調與早期搖擺樂的影響， 60年代曾為Mick Jagger與Eric Clapton等伴奏。移居後美國加入Tony Williams' Lifetime。1960年他與Miles Davis合作，在專輯In A Silent Way、Bitches Brew、A Tribute to Jack Johnson中演奏，共同架構融合爵士樂的理論基礎與見證它的迅速興起。

從獨立於Davis與Williams這些奠立Fusion基礎的重要人物後，Mclaughlin也找到了屬於自己的一條路。1971年他召集鼓手Billy Cobham、鍵盤Jan Hammer等來自捷克、巴拿馬、愛爾蘭等地的團員成立史上最強的爵士搖滾樂團，由於宗教信仰因素Mclaughlin將團名取為Mahavishnu，意味慈悲、崇高力量與正義。Mahavishnu Orchestra將融合爵士推進至更高層次的境界，不僅具備搖滾樂的元素，還將浪漫樂派大編制管絃樂、前衛迷幻、印度音樂、藍調及Celtic民謠融合，搭配玄妙的概念主題交織成一篇篇值得反覆聆聽的經典作品。而他的吉他solo也是相當精彩，七十年代Mclaughlin開始用雙琴頸 ( double neck ) 的電吉他演奏，使用大量Wa-Wa效果器等創造出更多更華麗的效果。

個人當然強烈推薦Mahavishnu Orchestra的每張早期專輯Inner Mounting Flame(1971)、Birds of Fire(1972)，跟1973年現場實況Between Nothingness and Eternity，裡頭複雜的拍子及和弦，強而有力的節奏打底，配合高能量的吉他彈奏震驚了爵士與搖滾樂迷。不過他們中晚期的作品也是可觀。在1973年跟原團人員理念不合後，Mclaughlin開除了原有重搖滾氣息濃厚的體制，另外組織第二代Mahavishnu。雖然後來自己的吉他演奏功力未在二代樂團被突顯，卻還能跟一群原先嚴格來說不屬於傳統爵士領域的人物合作。像概念專輯Acopalypse(1974)就找來了電提琴手Jean-Luc Ponty跟Chick Corea的老婆Gayle Moran當主唱，請當時還年輕的Michael Tilson Thomas擔任指揮，跟整個交響樂團合奏展現不同氣勢。Visions of the Emerald Beyond(1975)則找來了未崛起的Narada Michael Walden來主理敲擊樂器注入較輕快新鮮的R&B樂風。Inner Worlds(1976)整體雖未有錢幾張精采但仍有精采的長篇概念一氣呵成的結尾曲Inner Worlds Part 1&2。

七十年代初期Mclaughlin就開始學習印度音樂的樂理及師事西塔琴大師Lakshminarayana Shankar。1975年第二代樂團成員間理念不合與Mclaughlin認為無法突破的情形下暫時解散了Mahavishnu，他轉而與印度樂手Shankar(小提琴手)、Zakir Hussein(Tabla鼓)及Raghavan(Mridangam敲擊樂器)等合作專心致力於不插電的器樂演奏，另組Shakti融入更多南印度音樂元素與玄祕色彩，在傳統的印度音樂之中加入強烈的即興元素，將爵士的即興與印度民間音樂完美地結合。Shakti發行過三張專輯，包括「Shakti With John McLaughlin」(1975)、「A Handful of Beauty」(1976)與「Natural Elements」(1977)。九十年代以後Mclaughlin亦重組Remember Shakti大樂隊繼續巡迴演出發揚當年Shakti計畫的遺志。

八十年代Mahavishnu Orchestra又重組發行Mahavishnu(1984)並有Bill Evans(不是Waltz for Debby那位)插花，成績就見仁見智了。七十年代末期Mclaughlin曾暫居巴黎尋找新的音樂刺激，並也開始將一部份重心放於空心吉他彈奏技巧的精進，也大量與歐美樂手包括Carlos Santana、Paco de Lucia、Al Di Meola等錄製作品融入西班牙吉他的風格；八十年代也短暫與Jack Bruce、Chick Corea等人再聚首合作，源源不絶的創造與持續力令人大為佩服。



Mahavishnu Orchestra

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1971 The Inner Mounting Flame

1972 Birds of Fire

1973 Between Nothingness and Eternity [live]

1974 Apocalypse

1974 Visions of the Emerald Beyond

1975 Inner Worlds

1984 Mahavishnu

1987 Adventures in Radioland

1999 The Lost Trident Sessions [live1973]

Shakti

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1975 Shakti With John McLaughlin

1976 A Handful of Beauty

1977 Natural Elements

Dolphy, Eric

Eric Dolphy (1928-1964)

1928年生於美國洛杉磯，Eric Dolphy在四十年代末期即以年少天才的演奏水準成名於世。Dolphy以中音薩克斯風、長笛、低音豎笛等為吹奏樂器，並以不對稱節奏及不受羈絆的創作態度的"New Jazz"為訴求。Dolphy生前曾被傳統派人士所批評為Anti-Jazz，事業起飛期更是短的可憐，過世十餘年後卻逐漸被廣泛視為前衛爵士樂天才樂手之一。

1958年參與Chico Hamilton大樂隊，隔年開始參與貝斯手Charles Mingus樂團巡迴演出，並與Mal Waldron、Max Roach、Jaki Byard等樂手合作錄音。1960-61年間是錄音最頻繁的時期，代表作為參與Ornette Coleman的Free Jazz專輯錄製工作。被Coleman及Mingus等前衛爵士作曲及理論大師影響後，Dolphy開始力行自己的理念於個人專輯中。

1960年Outward Bound是他第一張創作專輯，分別以薩克斯風、豎笛、長笛等交替演奏呈現出他精湛的技巧，基本仍維持Bop的風味，但在獨奏及編曲創意已超越同時代的錄音。同年八月的Out There參與樂手有Ron Carter、George Duvivier、Roy Haynes，整張專輯有著超越同期主流的旋律以及節奏概念。

稍晚錄製的Far Cry是Dolphy與另外一位英年早逝的小號手Booker Little合作的心血結晶。合作樂手還包括Jaki Byard及Roy Haynes，向Charlie Parker致敬的兩首樂曲及Miss Ann已成為現代爵士樂中的經典作品，樂器技巧也為後輩樂手樹立難以超越的典範。他們在Five Spot的其他錄音。1964年的Out to Lunch是前衛爵士樂中難已被超越的經典作品，專輯大膽啟用Freddie Hubbard、Bobby Hutcherson、Richard Davis、Tony Williams等新秀參與，Dolphy的多管吹奏技巧以達爐火純青之境。難能可貴的是音樂在前衛佈局下，肆意揮灑的即興線條與傳統搖擺的分際達到平衡，絲毫不枯燥乏味適合推薦給初入門前衛爵士的愛樂者。

1964年6月29日，Eric Dolphy餘參與Charles Mingus Sextet歐洲巡迴之際因糖尿病猝死於柏林。



推薦專輯

Berne, Tim (Loft Jazz)

Loft Jazz, 有人翻成閣樓爵士樂, 典故是據說七十年代在紐約那些具有冒險犯難實驗精神的樂手們不為主流爵士pub所接受. 他們只能被迫到Soho, West Village, East Village等公寓studio或閣樓演奏. 也有此一說loft是倉庫角落廢棄不用的樓面, 前衛樂手們喜歡在這種不受拘束的空間自由或即興的演奏. 八十年代Loft Jazz代表人物是Tim Berne, Arthur Blythe, Marty Ehrlich等, 尤其是Berne我接觸較多. 他老兄在紐約的爵士樂界地位已不輸Bill Laswell, John Lurie(The Lounge Lizards)或John Zorn.

Tim Berne是美國當代最有名最具創造力的中音薩克斯風手之一. 年青時期的他在演奏技巧與觀念都受到前輩Julius Hemphill (World Saxophone Quartet靈魂人物之一), 七十年代中期結束學業後毅然決然地到紐約發展. 這段期間他不斷地與同在紐約的爵士樂手切磋技藝,並分別在Empire, Soul Note, Columbia等廠牌發行唱片. Berne真正的突破在於加入Stefan Winter的Winter & Winter期間與眾家樂手 (Bobby Previte / Herb Robertson / Marc Ducret / Jim Black) 合作的專輯, Stefan給予Berne想要的完全的自主權. Berne把握每段與新樂手合作的機會並敢於冒險與開拓新的可能性, 個人尤其欣賞他自組的Bloodcount大樂團與Big Satan三重奏 (Marc Ducret與Tom Rainey) 時期的作品.

Berne在Jazz Music Today (JMT) 時期作品被寶麗金併購後早已絕版多時, Winter & Winter可望在2005年把Bloodcount樂團時期重發). 他自己除了與Michael Formanek, Jim Black, Chris Speed加總的Bloodcount樂團巡迴外還自己設立廠牌Screwgun自己發掘一些本地藝人與作品. Screwgun影響力可與John Zorn的Tzadik或Michael Dorf的Knitting Factory等紐約當代爵士發行廠牌們相庭抗禮. Bloodcount的幾張專輯充滿著長篇熱力與強勁節奏, 快速豐富的即興元素與律動感, 還有Jim Black鼓技肆意揮灑, 都是喜愛大編制前衛樂團的樂迷所不容錯過的.


推薦唱片

Poisoned Minds: The Paris Concert -- Bloodcount (1995)

I Think They Liked It Honey -- Big Satan (1997)

Discretion -- Bloodcount (1998)

Discography (as a leader)

1979 The Five Year Plan (Empire)
1980 7x (Empire)
1981 Spectres (Empire)
1982 Songs and Rituals in Real Time (Empire)
1983 The Ancestors (Soul Note)
1984 Mutant Variations (Soul Note)
1987 Fulton Street Maul (Columbia)
1987 Sanctified Dreams (Columbia)
1989 Fractured Fairy Tales (JMT)
1991 Caos Totale - Pace Yourself (JMT)
1993 Diminutive Mysteries (mostly Hemphill) (JMT)
1994 Caos Totale - Nice View (JMT)
1995 Bloodcount: Lowlife (JMT)
1995 Bloodcount: Poisoned Minds (JMT)
1995 Bloodcount: Memory Select (JMT)
1996 Bloodcount: Unwound (Screwgun)
1997 Bloodcount: Discretion (Screwgun)
1997 Bloodcount: Saturation Point (Screwgun)
1998 Empire Box (Screwgun)

Zorn, John

John Zorn是爭議性很大的薩克斯風手。他曾經被選為最被overrated的樂手，但他人面極廣交遊廣泛，也是一間唱片公司的靈魂人物。不管欣不欣賞他，Zorn在紐約甚至所有前衛爵士樂界的影響力卻持續存在。

Zorn學生時代因著迷於另外一位傳奇前衛爵士作曲家/理論家Anthony Braxton而中斷學業，決定到紐約下東區居住並開始密集的音樂創作。他是一位勇於挑戰血腥暴力題材禁忌及廣納各種領域的聲音實驗家，他的音樂元素的來源包括重金屬、爵士樂、電影配樂、各國民謠及現代音樂等。毫不設限的創作態度使Zorn在紐約快速取得指標性的地位。從八十年代中期開始，John Zorn開始轉向找尋新的音樂創作素材，以改編猶太傳統音樂klezmer的簡潔樂風，以Masada為名另組四重奏樂團並發表數字系列十多張專輯，成為 Zorn所發行過最為平易近人的作品。

Zorn作品難以一般方法加以歸類。某些Zorn的作品融合了許多極端的音樂素材，包括東方情調音樂、義大利民謠、死亡金屬或噪音等等，在經過他扭曲變形之後而呈現出多元面向及令人眼花撩亂的融合音樂。John Zorn的唱片所牽涉的種類實在很複雜，曾與他合作的樂手也不勝枚舉，個人比較感興趣的作品除了solo演出以外還包括了：Naked City系列、John Zorn's Cobra、Painkiller系列及Masada系列等。

註:

1. John Zorn曾於1996年帶著Masada四重奏 (Dave Douglas / Joey Baron / Greg Cohen) 來台做了幾場小型表演, 後來也在Tzadik發行雙CD實況錄音 -- Masada Live In Taipei.

2. 2003年五月三十日在紐約Tonic跟德政與馬瓜因緣際會參加了John Zorn & Arto Lindsay等人的現場演出, 這篇遊記很忠實地捕捉了當時的情景.

3. 很多人把John Zorn當作紐約scene的代表人物. 以我的角度來說, 能代表New York DowntownJazz 品味的當然不只有Zorn. 除了Zorn, Bill Laswell與John Lurie外, 還有Tim Berne, David S. Ware, Matthew Shipp, William Parker, Bobby Previte, Borbetomagus, Dave Douglas等人. 以搖滾樂來說, 感覺總是瘋瘋癲癲精神異常的民謠樂團The Fugs, Holy Modal Rounders與The Godz歷史上是比Velvet Underground更有資格稱作美國第一個地下樂團. 他們的共同特點除了完全的自由派與不重視樂曲結構外, 還有共同精神上的好友--Allen Ginsberg.

Peterson, Oscar

受到幼時偶像Art Tatum影響，來自加拿大Montreal的Oscar Peterson從小接受古典鋼琴的紮實訓練，Peterson年輕時即以精湛的swing/bop技巧在加拿大成名，後來經 Norman Granz的發掘於四十年代末期於Jazz at the Philharmonic("JATP")系列中驚豔美國爵士樂壇。

流暢熱情、充滿活力的琴聲琴聲躍動是給樂迷永遠的印象。多年來Peterson大多堅守精緻的Bop/Swing風格，彈奏出旋律優美又具張力的曼妙音符。一雙快手流暢的樂聲如絲緞般宣洩，即興變化速度之快與樂手合奏和諧恰到好處，絲毫不會讓人感到疲累。已高零八十的Peterson堪稱為爵士樂壇輩分最高的大師之一，現在仍然發行新專輯。他的作品時間橫跨超過半世紀，專輯散見於Clef、Verve、MPS、Mercury、Pablo、Telarc等。

Peterson在五十年代起年與貝斯手 Ray Brown等樂手共同灌錄一系列的鋼琴與貝斯二重奏的錄音，接下來與Barney Kessel (隨後由Herb Ellis取代)及Brown在成功JATP的三重奏也是眾所矚目的焦點。我目前為止欣賞的Peterson時期就是從1958年以後在Verve灌錄的一連串三重奏錄音，其中最愛不釋手的是以下五張專輯。

1958 On the Town

1961 The Sound of the Trio

1962 West Side Story

1962 Night Train

1964 Oscar Peterson Trio Plus One